Ponti

Ora, essere un artista significa anche creare una piattaforma per monumentalizzare l’ampia gamma di storie culturali.

io è cresciuto ascoltando la musica di La Gran Manzana (La Grande Mela) a tutto volume da bodegas, walk-up di sei piani e taxi. Henry Hierro, mio ​​padre, è il cantautore del gruppo, una presenza fissa nel movimento del merengue popolare a New York negli anni ’80. Sollevato a Manhattan a Dyckman e Riverside, alias Piccola Repubblica Dominicana, sono cresciuto in un appartamento seminterrato con uno studio musicale annesso. Musica e creatività erano tutto intorno a me; essere a casa era così divertente che non avrei mai voluto andare a scuola. A tavola parlavamo apertamente della vita e le nostre voci si sentivano sempre. Sapevo di essere destinato a una vita artistica, ma le arti visive erano qualcosa di cui la mia famiglia sapeva poco.

Mio padre era un musicista disciplinato. Ogni giorno si svegliava, preparava me e i miei fratelli per la giornata e poi si ritirava nel suo studio. Mia madre era una musicista a pieno titolo; collaborava spesso con mio padre fornendo la voce nelle sue canzoni. Ha lavorato come tata per le famiglie nelle gated community di Upper Manhattan. Ammiro ancora la pazienza e la generosità che ha mostrato in tutto ciò che è venuto con quel lavoro. Soprattutto, era una sarta straordinaria. Le abilità di cucito sono state tramandate da sua madre e poi ereditate da me; Li uso spesso nel mio lavoro. Mio fratello Chris era un artista grafico e i suoi fumetti sono stati la mia prima introduzione alle arti visive. Alla fine ha seguito mio padre e ha perseguito la musica. È come se avesse lasciato cadere la matita e io l’ho presa.

Il mio interesse per le arti visive è nato alle elementari, grazie a PS/IS 187 Hudson Cliffs. Sebbene io sia nato negli Stati Uniti, i miei genitori parlavano principalmente spagnolo e sono stato inserito nelle classi di inglese come seconda lingua (ESL). Muoversi tra due classi ogni giorno era scoraggiante, ma la lezione di arte mi ha dato una delle poche opportunità di stare con il resto dei ragazzi.

Nel 2000, io e la mia famiglia ci siamo trasferiti a San Francisco de Macorís, nella Repubblica Dominicana, la città natale dei miei genitori. L’accesso alle arti era limitato e adattarsi a una mossa così grande era mentalmente estenuante, quindi la mia curiosità per l’arte è passata in secondo piano. Quando mia madre ed io siamo tornati negli Stati Uniti alcuni anni dopo, ho partecipato a un programma di preparazione al college presso la Cooper Union guidato da Marina Gutierrez. Parte di quel programma era una visita a Miguel Luciano‘s studio, che ha avuto un enorme effetto su di me. Fino a quel momento visitare i musei mi dava molta ansia, ma il lavoro di Luciano ha illuminato ciò che mancava in quegli spazi: una narrazione e un’esperienza che per me sono rilevanti. La sua serie Portoricani della Louisiana, per esempio, reinterpreta le etichette delle esportazioni agricole degli anni ’30, immagini che hanno ampiamente plasmato le rappresentazioni di Porto Rico negli Stati Uniti. Me lo ha fatto capire i musei non erano informati e monumentali come pensavo. Luciano è stato anche il primo artista visivo in attività che ho incontrato. Dal lavoro di mio padre, ho capito come un musicista possa lavorare in uno studio e generare un reddito, ma non ho mai conosciuto un esempio di artista visivo che lo facesse. Dopo aver conosciuto Luciano, l’arte ora esisteva in spazi che non conoscevo e in cui mi vedevo.

Al mondo accademico mancavano le conversazioni intersezionali nell’arte che stavo cercando, costringendomi a cercare al di fuori del curriculum. Al Purchase College, Università statale di New York (SUNY), ho spesso scherzato sul fatto che la cosa più vicina alla storia dell’arte caraibica è stata trovata nelle nature morte olandesi, con i beni acquisiti dalle loro conquiste. Al contrario, ho visto questi oggetti e il ruolo che hanno svolto nella mia vita come ricchi di cultura. Il libro Storia dell’arte moderna di David Joselit presentava pochi artisti di colore e si concentrava sul solito canone degli artisti maschi bianchi. La prospettiva unilaterale mi ha costretto a condurre la mia ricerca; Sto imparando solo di recente sulla storia dell’arte dominicana. Con i consigli dei miei mentori, ho trovato gli scritti di Cocco Fusco e ganci per campaneche ha avuto una notevole influenza sul mio processo creativo.

Durante la mia permanenza in Purchase, ho iniziato a sentire gli effetti delle dinamiche sociali ed economiche, che hanno influenzato negativamente la mia pratica artistica. I coetanei a basso reddito hanno abbandonato, perché non potevano permettersi le tasse scolastiche. La mancanza di diverse rappresentazioni culturali nel curriculum significava che dovevo difendere il mio lavoro ei miei riferimenti culturali; una critica ha messo in dubbio il significato dei titoli spagnoli per le mie opere. Per me, la chiave per mantenere lo slancio era essere intorno a ciò che amavo.

Ho assistito l’artista Daniele Tegeder, che aveva uno studio a Fondazione Elisabetta per le arti. Ha fornito una visione onesta del settore e degli affari dell’essere una persona creativa che lavora, dalla creazione di una pratica di studio sostenibile, alla richiesta di borse di studio e residenze, alla creazione di relazioni con rivenditori e gallerie. Mi ha insegnato che è necessario un po’ di egoismo per lasciare davvero un segno nel mondo dell’arte. Durante quell’estate, la madre di un’amica mi offrì il suo spazio studio nella loro casa a Chappaqua. Con i lavori che ho realizzato lì, e l’assistenza di Danielle e di un altro mentore, George Parrino, ho fatto domanda alla Yale School of Art. Volevo spingere il mio lavoro, ma ho anche capito il capitale culturale e la gravità dell’essere una donna dominicana con un master in pittura a Yale.

Essendo uno dei migliori programmi di studio artistico del paese, Yale ha ampliato la mia comprensione della diaspora, del suo posto nella storia dell’arte e del mio posto in quella storia. Quando mi è stato presentato il libro La breve e meravigliosa vita di Oscar era, di Junot Díaz, mi sono congelato. Il testo ha trasmesso efficacemente l’esperienza di essere un dominicano americano a New York in un modo che la mia arte non poteva. Ho perso ogni incentivo a dipingere e sono stato quasi espulso dal programma. Ulteriore stress è stato aggiunto dal pregiudizio nel campus. Ai miei coetanei visibilmente neri venivano regolarmente richiesti i loro documenti d’identità nel campus. Abbiamo reagito sostenendo che l’elenco degli artisti in visita includesse artisti di colore, come Marco Bradford e Juan Sanchez. Infine, professori come Erica James e Robert Farris Thompson hanno sostenuto le nostre richieste. Questi sforzi e il supporto dei miei colleghi hanno salvato la mia pratica in studio.

Durante la mia permanenza a Yale, ho iniziato a lavorare con i tessuti, che hanno suscitato ricordi delle lezioni di arte delle scuole elementari. L’arte mi ha dato gli strumenti per comunicare oltre le barriere linguistiche. Mio Newyorkese la serie collage è stato il mio primo tentativo di stampa digitale su tessuto. Ho usato le immagini delle riviste come catalizzatore per conversazioni su privilegi, disparità economiche ed esperienze vissute. Alcuni hanno trovato la serie brillante e altri ne sono rimasti infastiditi; uno dei commenti nella mia critica finale era che avevo bisogno di cambiare la mia visione del mondo. Era difficile. Sentivo di avere qualcosa da dimostrare in due spazi: a scuola ea casa. Sebbene i miei colleghi e professori di Yale non capissero i miei riferimenti culturali, la mia famiglia si preoccupava di come mi sarei guadagnata da vivere facendo l’artista, il che era ironico, considerando che siamo sopravvissuti grazie all’arte di mio padre (e al lavoro di mia madre). . Ad un certo punto, ho capito che dovevo lasciar andare le mie aspettative e fare il mio lavoro con tutta la forza, indipendentemente dal fatto che la Ivy League o la mia famiglia capissero la mia missione o meno. Volevo che il lavoro fosse letto su più livelli, per fare appello ai presunti esperti d’arte così come alle persone con un’educazione simile alla mia.

Dopo essermi laureato a Yale con un MFA, ho fatto domanda per la residenza di Yaddo nel 2013. Una delle residenze d’artista più prestigiose del paese, che ha ospitato artisti del calibro di James Baldwin, Silvia Plath, Giacobbe Lorenzoe Filippo Guston, Yaddo mi ha dato gli strumenti per disfare i miei anni nel mondo accademico, in cui mi sono sentito spinto e tirato in un milione di direzioni. Stare con scrittori, drammaturghi e pittori a metà carriera mi ha fatto sentire un vero artista. Se avevo dei dubbi su chi ero e cosa dovevo fare, trovavo conferme a Yaddo.

All’inizio del 2018 ho tenuto la mia prima mostra personale al Elizabeth Dee Galleria situata ad Harlem. Intitolato Mercado, la serie presentava grandi borse da bodega realizzate in tessuto di organza di poliestere trasparente e piene di immagini di oggetti, trovate online e stampate digitalmente su tessuto. Questi erano racchiusi in schiuma a cellule dure e cuciti per assomigliare a oggetti che erano contemporaneamente bidimensionali e tridimensionali.

Mia madre mi ha aiutato a cucire le borse da bodega della serie e passare del tempo insieme in studio l’ha aiutata a capire meglio la mia pratica. Fino a questo punto, la mia famiglia non capiva le mie ragioni per diventare un artista. Quando le persone chiedevano a mia madre cosa avevo fatto, lei rispondeva con i pochi spunti di discussione che avevo fornito, ma sapevo che lei e la mia famiglia non capivano completamente. Non erano consapevoli del significato di alcuni dei miei successi, come essere in una mostra collettiva con Kerry James Marshall e in mostra alla Elizabeth Dee Gallery. Questo tempo in studio con mia madre mi ha aiutato a mettere in prospettiva i miei obiettivi e la mia pratica; vedeva se stessa e la sua comunità riflesse nel lavoro, e la sua approvazione oscurava quella di qualsiasi critico d’arte.

Il più grande plauso di Mercado proveniva dalla mia famiglia e dalla mia comunità. Il pezzo intitolato Fagioli dolciora nel Collezione Rennie a Vancouver, era il preferito di mio fratello Henry; presentava una grande borsa da bodega piena di ingredienti del suo dolce dominicano preferito, uno solitamente riservato alle feste. Il mio lavoro può presentare nuove informazioni ad alcuni spettatori, ma è valido per coloro che lo sanno e può ancora essere considerato un’arte.

La cultura caraibica è una parte così grande di New York City, ma è ancora sottorappresentata. Mentre è convalidante vedere i marchi aziendali utilizzare l’estetica dominicana, come il recente di Nike De Lo Mio campagna, rimango critico nei confronti del loro intento. Ora, essere un artista significa anche creare una piattaforma per monumentalizzare l’ampia gamma di storie culturali. Navigare tra due mondi è sempre stato un tema nella mia vita ed è la fonte di ispirazione per il mio lavoro. Negli ultimi quattro anni ho incanalato la disciplina di mio padre e lavoro nel mio studio nel South Bronx. Sono orgoglioso di definirmi un artista.