Paolo Salvador “Los últimos días del gato de fuego” presso Peres Projects, Milano


Peres Projects presenta “Los últimos días del gato de fuego”, la terza mostra personale di Paolo Salvador con la galleria. C’è un senso di intimità e compagnia tra le figure raffigurate sulle tele di Salvador, espressione della cosmovisione andina che osserva un equilibrio tra tutti gli esseri viventi. Alludendo alla topografia del Perù, colori di sfondo altrettanto fluidi si incontrano su un piano dell’immagine per descrivere un ambiente indistinto e surreale che si intreccia anche con le figure rappresentate. In Il talismano rojo (2022), ad esempio, i segni dipinti in pesca e viola si intrecciano per produrre uno sfondo nebbioso, attraverso il quale risplende una debole sfera simile al sole. Tre figure stanno di fronte, guardando verso lo spettatore, sembrando anche osservare l’oscuro ambiente circostante. Salvador omette consapevolmente qualsiasi cosa nel suo lavoro che fissi le scene nel tempo o nel luogo – vestiti e punti di riferimento, per esempio – sebbene questi vasti ambienti siano forse più strettamente correlati agli orizzonti oceanici della città natale di Salvador, Lima. Gli orizzonti appaiono multipli nelle opere di Salvador, suggestivi di diverse dimensioni, e qui rappresentano cosmologie e sistemi di conoscenza sovrapposti o coesistenti.
Un albero dai rami nerboruti e contorti è anche un motivo ricorrente in questa serie, spesso reso in diverse sfumature di verde, come vediamo in Cielo corallo (2022). Mentre la rappresentazione di un albero colloca certamente le composizioni nello spazio, conferendo una fissità ad ambienti altrimenti indistinti, l’albero è anche simbolico, un’allusione alla storia coloniale del cattolicesimo in Perù. Qui, Salvador fa riferimento al groviglio sincretico di diverse religioni e culture nel paese: le sue tele esprimono una confluenza di visioni del mondo andine e coloniali che riconoscono l’impatto continuo del colonialismo in Perù e l’evidente mescolanza culturale nel corso di molti secoli, una realtà che rispecchia anche le sue esperienze personali come artista peruviano che vive in Europa. L’approccio di Salvador alla pittura, sensibile, riflessivo e reciproco, rispecchia le sue convinzioni rispetto a un approccio alla vita, e queste stesse filosofie si riferiscono anche alle tradizioni andine che formano il suo background culturale. Nella sua opera Salvador fa frequenti riferimenti al mondo naturale e alle armonie che vi si trovano, risultato dell’osservazione ravvicinata del suo ambiente al fine di rilevare le intricate trame e motivi che ispirano i suoi dipinti. Per l’artista, tutto è profondamente intrecciato: scienza, arte e spiritualità; umani, piante e animali, che secondo lui sono erroneamente divisi in molte culture moderne. Fin dall’inizio della sua pratica, Salvador ha mantenuto un vivo interesse per i materiali pittorici, ponendo particolare enfasi sui pigmenti naturali. Si preoccupa della composizione dei materiali che utilizza, nonché dei luoghi geografici che rappresentano, prestando attenzione al significato politico e sociale delle sue risorse. Durante la sua carriera ha condotto un’ampia ricerca sui materiali, lavorando con geologi e specialisti correlati sia nel Regno Unito che in Germania per migliorare la sua conoscenza dei pigmenti a base minerale, che macina lui stesso come parte del suo processo artistico. Usando la metafora della cucina in relazione alla sua pratica e facendo riferimento al patrimonio culinario del Perù, mette in relazione l’esperienza della preparazione del cibo con la chimica della lavorazione dei materiali artistici, i quali cambiano consistenza e costituzione man mano che vengono maneggiati.
Salvador adotta un approccio olistico alla sua pratica artistica. Con tenera attenzione, misura la pressione di ogni pennellata, i respiri regolari che fa mentre prepara la tela, la postura che assume mentre dipinge. Per Salvador, l’atto di dipingere è una danza intricata con il lavoro che realizza: lascia che la sua intuizione guidi come e dove applicare un tono o un gesto, e poiché i suoi dipinti subiscono cambiamenti nel tempo, queste trasformazioni graduali gli danno spunti visivi per far progredire il suo lavoro.

a Progetti Peres, Milano
fino al 7 ottobre 2022



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In the cradle of collecting. In Florence a “private” trip to the twentieth century, from Paul Klee to Damien Hirst – Florence



Preparation of the exhibition Twentieth century passion from Paul Klee to Damien Hirst. Works from private collections | Courtesy Museo Novecento

Florence – At number 3 of the ancient Via Larga, at Palazzo Medici Riccardi, an ancient bastion of the Medici, between whose rooms and studios modern collecting originated, Cosimo the Elder and Lorenzo Il Magnifico would be delighted to see a large part of the Twentieth century through a rich selection of masters, from Paul Klee to Damien Hirst, on loan from art lovers of our time.
Until next January 8, in fact, the Florentine palace will host, in conjunction with the Florence Art Week, the exhibition entitled Twentieth century passion from Paul Klee to Damien Hirst. Works from private collections Florentine and Tuscan, a project for the Museo Novecento curated by Sergio Risaliti, promoted by the Metropolitan City of Florence and organized by MUS.E.
The goal is to make the great Renaissance tradition of collecting and patronage dialogue with the passion for the art of the twentieth century still strong today.


Twentieth century passion from Paul Klee to Damien Hirst. Works from private collections, Exhibition design | Courtesy Museo Novecento

In the city cradle of the Renaissance, which over the centuries has seen artistic events and those of private collecting intertwine, sowing a sensitive predisposition to the avant-garde and its most advanced experiments throughout the territory, a red thread links the ancient families of the Sassetti and Tornabuoni , the Medici and the Doni, the Gondi and the Rucellai to the private collectors of today.

In this anthology of eras and styles, visitors to Palazzo Medici Riccardi will be able to admire rare masterpieces by Paul Klee and de Chirico in dialogue with the Circus by Ottone Rosai, with the Abandoned objects in the forest by Alberto Savinio, and again with the works of Martini and Melotti, Burri and Fontana, with works by Warhol and Lichtenstein, Alighiero Boetti and Damien Hirst, with the Girolamo Savonarola by Ai Weiwei or the Couple by Cecily Brown.


Passion of the Twentieth Century from Paul Klee to Damien Hirst, works from private collections, Staging | Courtesy Museo Novecento

The succession of masterpieces will also see the stories of great art lovers alternate which will allow the modern public to learn more about the collector’s life, taste and ideals in a game of suggestions and meanings. On the other hand, it is thanks to collecting and patronage, which took root in the “rooms” and in the studios of Palazzo Medici, that the autonomy of works of art, curated, contemplated, appreciated for themselves, has been affirmed.

The first modern museums originated from the private collections, studios and salons of the great lords.
Developed during the Renaissance with the Medici family, central to the Italian cultural promotion, patronage was consecrated over the centuries to come with the presence of figures of the caliber of Stefano Bardini, one of the most eclectic and refined antiquarians and merchants of the his time, and the eclectic Frederick Stibbert. And thanks to collecting it is now possible to admire these masterpieces, in an extraordinary journey of rediscovery and deepening of the art of the twentieth century.


Passion of the Twentieth Century from Paul Klee to Damien Hirst, works from private collections, Staging | Courtesy Museo Novecento

“The Passione Novecento exhibition – explains Sergio Risaliti, director of the Museo Novecento in Florence and curator of the exhibition – will open in conjunction with the Florence Art Week and the International Antiques Biennial which, after the break dictated by the epidemic, will bring the great protagonists back to Florence of the antiques market, together with collectors from all over the world and representative figures of the art system and museums. In the same week, the Renaissance + award will also be presented again in its third edition, an award assigned to six eminent personalities from the world of collecting and patronage ”.

The exhibition can be visited every day, except Wednesdays, from 9 to 19.


Ottone Rosai, Circus, 1933, Oil on cardboard





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Il fotografo cattura bellissime foto della natura mozzafiato della Finlandia » Design di cui ti fidi


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Secondo Oscar Keserci (in precedenza In primo piano): “Mi chiamo Oscar Keserci e sono un fotografo di 33 anni che vive vicino a Helsinki in Finlandia.

Sono cresciuto in Grecia e mi sono trasferito in Finlandia nel 2012. È stato dopo essermi trasferito in Finlandia che ho scoperto la mia passione per la fotografia quando ho scoperto la bellissima natura finlandese. Ho iniziato a imparare da solo come usare la mia macchina fotografica e ogni singolo giorno ho visto un miglioramento. Ho capito abbastanza velocemente che volevo fare della fotografia la mia professione.

Negli ultimi anni ho lavorato come fotografo professionista per catturare la bellezza della Finlandia. A volte posso essere fuori a scattare immagini a temperature sotto lo zero a -30°C. Ecco una raccolta con alcune delle mie immagini preferite degli anni passati. Spero vi piacciano!”

Di più: Oscar Keserci, Instagram h/t: noirpanda

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Collezioni di artisti negli archivi: digitalizzare la storia artistica di Cleveland | di Cleveland Museum of Art | Pensatore CMA | Settembre 2022


Di Sara Kunkemueller, stagista in digitalizzazione, biblioteca e archivi del museo di Ingalls

Quest’estate sono entrato a far parte dell’Ingalls Library and Museum Archives come stagista di digitalizzazione. Il mio lavoro ha coinvolto diversi progetti, dall’aggiornamento dei metadati alla scansione di libri per l’Internet Archive, ma gran parte del mio tempo è stato dedicato alla digitalizzazione delle collezioni degli artisti negli archivi. I primi materiali che ho scansionato sono stati Gli album da disegno di John Paul Miller.

Miller (1918–2013) era un famoso gioielliere di Cleveland. Dopo essersi diplomato al Cleveland Institute of Art (CIA), è tornato dopo il servizio militare nella seconda guerra mondiale per entrare a far parte del personale della scuola come professore. Allo stesso tempo, ha iniziato a produrre pezzi per la gioielleria locale Potter & Mellen. Sebbene Miller sia stato formato in design industriale e abbia trascorso la sua carriera concentrandosi sui gioielli, nutriva anche un profondo amore per l’acquerello e ha prodotto sia fotografie dei suoi viaggi che una varietà di materiali video. Durante il suo mandato alla CIA, durato più di 40 anni, ha insegnato tutte queste materie. Il lavoro di Miller è stato acquisito da numerosi collezionisti privati, nonché dal Cleveland Museum of Art (CMA) e dalla Renwick Gallery, tra gli altri.

Miller è noto per il suo uso della granulazione, una tecnica meglio riconosciuta dai gioielli archeologici. Attraverso il processo di granulazione, minuscole perline di metallo vengono fissate su una forma più grande senza saldature. Miller ha impiegato la granulazione per creare strutture e motivi superficiali estremamente complicati. Concentrandosi sia sulle astrazioni geometriche che sulle forme realistiche di animali e insetti, l’uso della granulazione da parte di Miller conferisce al suo lavoro una coerenza stilistica complessiva, intrecciando un’estetica modernista nelle superfici naturali. I suoi taccuini sono pieni di disegni ripetitivi, in cui Miller gioca con la forma del motivo di granulazione. Poiché gli schizzi di Miller sono di dimensioni relativamente simili ai suoi prodotti finali, ci sono molti pezzi nel La collezione di CMAnegli archivi’ può mostrare recorde in altre gallerie d’arte che possono essere abbinate quasi esattamente a queste pagine.

Estratti da album da disegno 21senza data, Collezione John Paul Miller, Cleveland Museum of Art Archives
Pendente in Oro e Smalto, Gufo, c. 1955. John Paul Miller. Immagine 5562, Archivi del Museo d’Arte di Cleveland. Questa opera d’arte è nota per essere protetta da copyright.

Gli album da disegno di Miller accrescono il suo corpus di lavori con note dettagliate sulla costruzione, comprese note sperimentali fatte in officina. Molti sono pieni di polvere di metallo e persino piccoli frammenti di oro scartato, suggerendo che vivessero sul suo banco di lavoro e che i progetti fossero soggetti a revisione durante la produzione. In un caso, Miller ha scritto le indicazioni per un cortometraggio dopo la creazione di uno dei suoi pezzi, lasciando dietro di sé una meticolosa registrazione del suo processo. Insieme a prezzi e altre informazioni, le copertine interne hanno spesso un elenco di nomi o titoli che indicano quali sue opere sono state commissionate, create per una particolare mostra o prodotte in serie. Entro taccuino 19, c’è anche una lunga perizia assicurativa scritta a mano che dettaglia le minuzie della costruzione di un pezzo, dai materiali ai metodi. Tutto ciò è rilevante per i futuri collezionisti e conservatori del lavoro di Miller, ma conserva anche la sua vasta conoscenza della lavorazione dei metalli e potrebbe potenzialmente fungere da ausilio didattico. Gli album da disegno di Miller contengono una ricchezza di informazioni sui suoi pezzi, le sue pratiche di insegnamento e i suoi interessi personali e professionali.

Tutti i 32 taccuini di Miller sono attualmente disponibili nelle collezioni digitali degli archivi CMA. Disponibili anche per la visualizzazione sono dettagliati rendering dei suoi anelli e ciondoli, fotografie dei suoi viaggi a California e Antartidee immagini delle sue opere dal può mostrare collezione.

Il resto del mio tirocinio si è concentrato sulla collezione August F. Biehle dell’archivio, composta principalmente da materiali per schizzi relativi a vari media e progetti durante la prolifica carriera di Biehle. Un figlio dell’immigrato tedesco e artista decorativo August Biehle Sr. (rappresentato anche negli archivi digitali), Biehle (1885–1979) è stato un Clevelander che ha contribuito immensamente al fiorente carattere artistico della città all’inizio del XX secolo. Dopo aver completato la sua formazione artistica in Germania, Biehle è tornato a Cleveland proprio mentre stava raggiungendo il suo picco di innovazione artistica e ha iniziato a lavorare presso la Otis Lithograph Company. Nel corso della sua carriera, ha prodotto pubblicità, murales e dipinti incredibili ed è diventato uno dei più importanti artisti della scuola di Cleveland.

Biehle era anche membro della principale organizzazione artistica eclettica della città, il Kokoon Arts Club. Ha portato con sé talento artistico e ispirazione, dopo aver visto un’influente mostra di Der Blaue Reiter (The Blue Rider), un gruppo espressionista tedesco, a Monaco nel 1912. Ciò ha informato le opere moderniste di Biehle e, a sua volta, si è rivelato un influenza stilistica per gli altri membri del club. La collezione dell’archivio conta numerosi Oggetti Kokoon Clubinclusi poster per eventi del club, materiale di pubblicazione e design dei biglietti per i balli famosi e lascivi del club. Il Kokoon Club ha permesso a Biehle di sperimentare la sua formazione artistica formale e l’interazione tra i fiorenti modernisti del club lo ha incoraggiato ad approfondire una varietà di stili, inclusi i movimenti Art Deco e Cubismo in via di sviluppo.

Biglietto per il bal-masque del club Kokoon n. 337 e matrice del biglietto1938, Collezione August F. Biehle, Cleveland Museum of Art Archives

Di particolare rilievo nella collezione Biehle sono i materiali di schizzo relativi a murales ha prodotto per diversi edifici famosi in tutta la città, tra cui il Kokoon Club, il Hofbräuhause Ristorante del teatro alpino del villaggio di Herman Pirchner. Questi schizzi murali, spesso resi vagamente a guazzo su carta o cartone, colpiscono non solo per la loro bellezza ma anche perché rimangono pochissime registrazioni visive dei murales. Il club Kokoon, ad esempio, presentava diverse opere di Biehle sulle sue pareti durante il suo periodo di massimo splendore. Tuttavia, dopo il declino e lo scioglimento del club nel 1956, i murales di Biehle furono demoliti insieme all’edificio. Questo vale anche per il suo vasto lavoro nel villaggio alpino di Pirchner, in particolare per le rappresentazioni di Biehle di scene fantastiche e momenti classici dell’opera e del teatro. La sua influenza si estese all’Eldorado Club sopra il ristorante, dove Pirchner ospitò ospiti famosi. Nel 1996, però, anche quella struttura fu rasa al suolo. Sebbene ci siano alcune registrazioni fotografiche contenenti opere murali demolite di Biehle, sono spesso incentrate sugli eventi della società e sulle persone che frequentavano gli spazi piuttosto che sull’arte stessa. I rendering degli schizzi dei murales di Biehle sono alcuni dei migliori documenti rimasti della sua presenza in edifici influenti della città.

Schizzo per murale – ciclo d’opera, “Siegfried” scritto a margine, per l’Alpine Village Theatre Restaurant di Herman Pirchner, c. 1942, Collezione August F. Biehle, Cleveland Museum of Art Archives

Al di là di Cleveland, Biehle rappresenta un fantastico incapsulamento dell’esplosione dell’innovazione artistica all’inizio del XX secolo. Stilisticamente avventuroso, gli interessi di Biehle sono cambiati nel corso della sua carriera. Era un talentuoso artista decorativo, essendo stato apprendista sotto suo padre, e le sue litografie erano in conversazione diretta con altri inserzionisti chiave della sua età. di Biehle lavori commerciali includono studi fantastici sulle creazioni dei suoi coetanei, come diversi layout per gli annunci di Arrow Collar che hanno reso famoso l’artista americano Joseph Christian Leyendecker (1874–1951), nonché diversi studi osservazionali che mostrano la profondità della sua formazione formale. Le stampe di Biehle furono in prima linea nel passaggio dall’Art Nouveau all’Art Déco. Nelle parti successive della carriera di Biehle, i suoi dipinti assunsero uno stile cubista sorprendente e furono intrisi del dinamismo del futurismo. I suoi numerosi talenti lo rendono un eccellente esempio della forza della scena artistica di Cleveland al suo apice.

L’altro lavoro di Biehle include una varietà di paesaggi dipinti colorati ispirati al cubismo. La CMA detiene nella sua collezione uno di questi la pittura oltre a opere su carta dell’artista. Per vedere la collezione Biehle online, visitare https://digitalarchives.clevelandart.org/digital/collection/p17142coll15.



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Giotto and the twentieth century, a story to discover at MART – Trento





Carlo Carrà, The daughters of Loth, 1919. Oil on canvas. MART, VAF-Stiftung Collection

Francesca Grego

09/29/2022


Trento – More than seven centuries have passed since Giotto reinvented Italian painting, paving the way for the great Renaissance revolution. Today at the MART in Rovereto an exhibition is preparing to tell how, far from being confined to the past, the master of Vespignano was a source of inspiration for artists for a good part of the twentieth century.

From 8 December until 19 March 2023, over 200 works will stage a journey through the history of art in the wake of the Tuscan painter and architect. Born from an idea of ​​the director Vittorio Sgarbi and curated by Alessandra Tiddia, Giotto and the twentieth century will bring together in the halls of the Trentino museum the protagonists of Italian painting such as Carlo Carrà, Giorgio Morandi, Mario Sironi, Gino Severini, Massimo Campigli, Ubaldo Oppi, who in the first part of the century traced in the thirteenth-century colleague the main witness of an artistic tradition to look at, as well as masters linked to the international environment of the avant-gardes such as Henri Matisse.

But it doesn’t stop there. Works by Lucio Fontana, Yves Klein, Mark Rothko, Josef Albers will illustrate the rest of the story, showing how even in the second half of the century Giotto’s art was the basis of the work of some of the most innovative artists on the world scene. And there will be forays into the art of the present, with the American James Turrell and the British Tacita Dean – just to name a couple – ready to collect and update once again the legacy of the medieval master.





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floral painting by Debbie Lamey-MacDonald

Vetrina degli artisti autunnali 2022 con 24 artisti I Artsy Shark


Goditi questa vetrina con il lavoro di ventiquattro artisti di talento. Clicca sul nome di ogni artista per saperne di più.

scultura di cane di Marianne Castle

Argilla ceramica “Please Love Me” e pittura acrilica, 17 cm x 20 cm dell’artista Marianne Castle

Castello Marianne

Sono ispirato dal mio profondo amore per gli animali per ricrearli come sculture in ceramica. Il mio scopo è evocare le emozioni ei sentimenti della persona che tiene in mano una delle mie sculture.

dipinto di paesaggio di Gladys Waters

“Il vecchio fienile nella bellezza” dipinto ad impasto a olio su tela, 14″ x 11″ dell’artista Gladys Waters

Gladys acque

Volevo trasmettere la serenità, la calma e la bella sensazione di questa scena. Ogni pennellata scorreva, piena di colore e amore. È stato un pezzo così divertente da dipingere.

dipinto di elefante di Ramona Marquez-Ramraj

“Elephant Running Free” (Feeling of the Wild Series) acrilico su tela sciolta, 24″ x 36″ dell’artista Ramona Marquez-Ramraj

Ramona Marquez-Ramraj

Creo pezzi acrilici espressionisti colorati e nebbiosi ispirati al mio background sudafricano. questa serie, Sensazione di natura selvaggiainclude “Elephant Running Free”, un promemoria sul pericolo di estinzione degli animali.

dipinto astratto di Don Antart

“l’anatra perplessa, quando solo allora… solo allora” tecnica mista, 200 cm x 200 cm dell’artista Don Antart

Don Antart

Creo un’opera d’arte narrativa complessa, surreale, attraverso l’atto di scrivere frasi e lettere sulla tela che poi diventano forme. In questo dipinto, il messaggio “quando? Solo allora, solo allora” è scritto più volte.

dipinto astratto di Sharon Dunlap

Acrilico “Downdraft” su tela, 36″ x 24″ x 1,5″ dell’artista Sharon Dunlap

Sharon Dunlap

I colori ricchi e vibranti catturano l’attenzione in questo astratto, mentre il movimento è suggerito dall’uso di forme di stalattiti e stalagmiti. Molte delle mie opere sono ispirate dalle scienze della terra.

dipinto astratto di Suzanne Frazier

“Boketto #11″ olio su tela, 20″ x 20” dell’artista Suzanne Frazier

Suzanne Frazier

Bottino, una parola giapponese per “fissare in lontananza senza pensare”, riflette il mio processo di meditazione e la mia prospettiva di artista contemplativo. Dai un’occhiata alle interviste sulla pagina YouTube di “Suzanne Frazier – Arte contemplativa”.

pittura figurativa di Mauree P. Tracey

Acrilico “Here’s to Good Times” su tela, 16″ x 20″ dell’artista Maureen P. Tracey

Maureen P. Tracey

Di ispirazione tropicale, i miei dipinti mostrano sentimenti, colori e temi nell’arte con cui vorrai vivere in qualsiasi parte del mondo. Arte per rendere il tuo ambiente felice e ancora più significativo da godere.

pittura digitale figurativa di Eugene Green

Arte digitale “Unwavering Hope”, varie dimensioni dell’artista Eugene Green

Eugenio Verde

Mi sono imbattuto in un gesto che sembrava di poter raccontare più storie in una posa.

dipinto astratto di Mary Begley

“Sabbie del tempo” olio su tela, 48″ x 36″ dell’artista Mary Begley

Mary Begley

Un’entità circondata dal suo ambiente è un concetto universale, sia che provenga dalla realtà o dal subconscio. Creo atmosfere naturalistiche e racconto storie sull’esistenza umana. Io chiamo questi dipinti Quadri astratti.

ritratto dipinto di Sahar Hasan Al-louthai

“Mi vedi?” olio su tavola, 110 cm x 80 cm dell’artista Sahar Hasan Al-louthai

Sahar Hasan Al-Louthai

Questa straordinaria opera d’arte di Sahar Hasan ritrae la sofferenza dei bambini che stanno vivendo vite dure a causa di guerre, sfollamenti, violenze, razzismo, emarginazione e malnutrizione. Guardali e ascolta il loro dolore.

dipinto di paesaggio di John J. Abisch

“Split Rock Falls” olio su pannello di lino, 18″ x 24″ dell’artista John J. Abisch

John J. Abisch

Ciò che mi ha ispirato a dipingere questa scena è stato il movimento della luce e dell’acqua incastonati nelle rocce e nella foresta circostante. Il contrasto di valori e strutture richiede la nostra attenzione e contemplazione.

dipinto astratto di Hollie Ross

Acrilico “Storm of Wonder” su tela, 20″ x 20″ x 1,5″ dell’artista Hollie Ross

Hollie Ross

Mi piace incorporare molti colori e trame nei miei dipinti. Prendo ispirazione dalla natura e dall’ambiente circostante, nonché dalle diverse culture e forme d’arte che ho sperimentato durante i lunghi viaggi.

dipinto astratto di Sandra Deacon

“Girasoli” olio su tela, 24″ x 24″ x 1,5″ dell’artista Sandra Deacon

Sandra Diacono

Una risposta gestuale e cromatica ai girasoli del New Mexico. Questo dipinto ha preso vita dopo diversi studi dettagliati e realistici di vari girasoli.

dipinto di paesaggio di Lilli Kirschmann

Acrilico “Peaceful Contrasts” su tela, 80cm x 40cm dell’artista Lilli Kirschmann

Lilli Kirschmann

Mi occupo della definizione dei colori e del loro significato per l’uomo. Lo esprimo attraverso paesaggi e fiori vividi come mostrato qui in “Contrasti pacifici” con colori complementari e forme chiare rispetto a quelle selvagge.

dipinto astratto di Tim Hupkes

Pittura acrilica “Garden Outburst” su tela, 40 cm x 40 cm dell’artista Tim Hupkes

Tim Hupkes

Il mio lavoro è fondamentalmente dettato dal mio subconscio. Entro nel flusso e permetto che le cose accadano. Di solito, ho solo bisogno di iniziare a dipingere, il resto accade come “da solo”.

acquerello floreale e colibrì di Carl McKinley

Acquarello “Dinner for Two”, 10 “x 8” dell’artista Carl McKinley

Carl McKinley

Ho sempre amato la natura, gli uccelli e gli animali. L’acquerello è la mia scelta per tutti questi soggetti. Grazie per aver visualizzato “Cena per due”.

collage fotografico botanico di Tanna Giroux

Fotografia multimediale “Botanical Portrait: Daisies Abstracted”, varie dimensioni, dell’artista Tanna Giroux

Tanna Giroux

La fusione dell’ingegneria fotografica digitale con il design artistico classico si è sviluppata in un genere artistico che mi piace chiamare Fotografia multimediale. Fornisce un’espressione creativa utilizzando l’impressionismo astratto per presentare ritratti botanici e immagini surreali.

paesaggio di inchiostro alcolico di Katy Bishop

Inchiostro ad alcool “Northern Lights” su carta sintetica, 12″ x 12″ dell’artista Katy Bishop

Katy Vescovo

Non ho mai visto l’aurora boreale, ma questo è ciò che sento che mi faranno sentire.

dipinto astratto di Sarah Schneider

Acrilico “The In Between”, 30″ x 40″ dell’artista Sarah Schneider

Sarah Schneider

I miei dipinti sono un’espressione del mio apprezzamento per la meraviglia della natura: il colore, le forme, le trame e la luce in continua evoluzione del mondo naturale mi forniscono un’ispirazione infinita.

pittura astratta a tecnica mista di Harrie Handler

Tecnica mista “Coastal Symphony”, 36″ x 36″ dell’artista Harrie Handler

Harrie Gestore

Il mio principio guida di vedendo con il cuore attira lo spettatore ad entrare in un astratto o in un paesaggio e sperimentare calma, movimento, spaziosità, tranquillità e ottimismo. Non importa il soggetto, creare bellezza è l’obiettivo.

fotografia di una farfalla di Amanda Robinson

Fotografia “Afternoon Snack”, 10″ x 8″ dell’artista Amanda Robinson

Amanda Robinson

Sono un fotografo che si concentra sulla cattura di momenti quotidiani, paesaggi e soggetti, elevandoli al livello delle belle arti. Mi sforzo di catturare l’essenza del momento e dargli vita eterna.

dipinto astratto di Irinel Daniela Iacob

Tecnica mista “Vacanze estive” su lino, 50cm x 70cm dell’artista Irinel Daniela Iacob

Irinel Daniela Iacob

Sono un artista rumeno. I miei lavori sono ispirati dalla vita di tutti i giorni. Per chi volesse saperne di più sulla mia attività artistica, promuovo i miei lavori sul mio sito web.

pittura floreale astratta di Kimberly Kort

Pittura fluida acrilica “Butterfly Dreams” avvolta in galleria, 36″ x 24″ x 2″ dell’artista Kimberly Kort

Kimberly Kort

“Butterfly Dreams” sono i sogni più colorati. Una creazione realizzata con tazze di vernice acrilica e pochi altri liquidi per creare magie su tela. Il martello di gomma si frantuma in pozzanghere di vernice e nascono le farfalle.

dipinto floreale di Debbie Lamey-MacDonald

“Drifting Into Autumn” olio su pannello di legno cullato, 10″ x 10″ dell’artista Debbie Lamey-MacDonald

Debbie Lamey-Mac Donald

Sia la natura che il giardinaggio ispirano la mia pratica artistica. Lavoro dall’osservazione diretta all’aperto o nel mio studio per catturare la vitalità di soggetti selezionati. Questo pezzo è stato dipinto con gioia nei miei giardini in diverse sessioni.

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L’artista giapponese crea sculture di animali fatte di fiori metallici » Design di cui ti fidi


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L’artista giapponese Taiichiro Yoshida crea sculture di animali fatte di fiori metallici. Yoshida crea queste delicate sculture di uccelli e altri animali usando bronzo, rame o argento. La lavorazione dei metalli decorativi in ​​Giappone ha una lunga storia iniziata tra il quarto e il quinto secolo con abilità tramandate di generazione in generazione.

Di più: Taichiro Yoshida, Instagram h/t: 121 clic

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“Insolvency, my friend” alla Charim Galerie, Vienna


Questa mostra è iniziata con il saggio di Pierre Klossowski “Living Currency” come punto di interesse, con la premessa che il corpo ei suoi desideri che lo accompagnano agiscono come unità di scambio. È partito in una serie di associazioni tra artisti e opere che include brani di Olga Balema, Dora Budor, Georg Herold, Pierre Klossowski, Guy Mees, Josephine Pryde, Rosemarie Trockel, Camilla Wills e un film di Guillaume Dustan. Queste opere portano e allo stesso tempo sconvolgono le tracce materiali dei sistemi economici e libidici, senza perdere di vista la posizione dell’artista, dell’opera e del suo spettatore rispetto ad esse. Ci chiedono di guardare cosa governa i rapporti di produzione e riproduzione, quali logiche sono in gioco e cosa non viene assimilato nei loro sistemi. Da qui potremmo vedere ciò che classificano come inutili, esauriti, così come la loro erotismo, i loro sprechi, le loro lacune, la loro stanchezza, la loro ubiquità, la loro onnipotenza, la loro invisibilità.

a Charim Galerie, Vienna
fino al 10 ottobre 2022



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The Art Agenda – In bookstores


• Marianne Jaeglé, A moment from Leonardo’s life (and other stories). L’Asino d’oro Edizioni Sometimes it takes just a moment to change the story of an artist. Twenty-one revealing moments are told in the new book by Marianne Jaeglé, author of editorial successes such as Giallo Van Gogh and documentaries for Rai and France Télévision. Between the pages of the volume we will meet the elderly Leonardo on his way to France with the Mona Lisa and an unspeakable secret, and the proud Picasso struggling with a Nazi diplomat who questions him about Guernica’s masterpiece, but also the sanguine Caravaggio forced by the cardinal Contarelli to redo the canvas of San Matteo and the angel. And then Michelangelo, Dürer, Dostoevskij, Mendelssohn, Lee Miller, Charlie Chaplin and even JK Rowling, on a journey through time and the thousand dimensions of creativity. Reality and imagination are intertwined in twenty-one exofiction exercises, paying homage to the Book of Dreams by Antonio Tabucchi, Marguerite Duras and Italo Calvino. At the end of the book, Jaeglé reveals to the readers the facts behind her stories, suspending only for a moment the game of “a reality that is all true, as much as it is all imagined”. Marianne Jaeglé, A moment from Leonardo’s life (and other stories). L’Asino d’oro Editions • José M. Carcione, Rome by bike. An open-air museum. Classic and unusual tourist routes for two wheels. Edizioni Il LupoA “green and boundless” Rome is just waiting to be explored, in 92 paths between nature and culture within reach of cyclists. The invitation comes from José M. Carcione, researcher in geophysics, musicalizador of Argentine tango in one of the oldest milongas in Italy, a scholar of the history of science and popular cultures, who for years has traveled the streets of the capital on two wheels. Bookshelves are full of guides to the beauties of Rome, but touring it by bicycle remains a difficult task even for those who have always lived there. Carcione comes to the aid of cyclists with itineraries for all ages and levels of experience, traveling between cultural sites, essential monuments and unusual destinations. From the treasures of the center to the surprises of the villages, from the bends of the Tiber to the historic villas, from the wonders of the Baroque to street art, a network of about 320 kilometers stretches over the Capitoline urban fabric, to be traveled through alleys, parks and hamlets with the support of 74 maps supplied with the book. José M. Carcione, Rome by bike. An open-air museum. Classic and unusual tourist routes for two wheels. Il Lupo Editions • Marco Goldin, The last days of Van Gogh. The rediscovered diary. Edizioni Solferino Two months full of emotions, contrasts and a lot of art: as in a “rediscovered diary”, Marco Goldin tells the last glimpse of Van Gogh’s life, starting from the artist’s correspondence. The form is that of the novel, an imaginary autobiography written day by day in the first person, and yet faithful to the original sources that the author has frequented for decades as an art historian and curator of exhibitions. The scene opens on May 15, 1890, when Van Gogh leaves a still fresh painting on the easel in the clinic of Sain-Rémy, in Provence, before joining his brother Theo in Paris. “I have decided to leave. I can’t stay here anymore, my heart bursts ”, he writes. The train that will take him to Auvers-sur-Oise, north of the French capital, will be the last. The mystery of Van Gogh will take place in the narrow streets of the village, the house of Doctor Gachet, the expanses of alfalfa on which the red of the poppies floats, the slow flow of the river, the church under the sky enameled in blue, like a stained glass window. gothic. And finally the wheat fields, an appointment with the destiny recalled among the memories and the voices of the characters close to the painter. Marco Goldin, The last days of Van Gogh. The rediscovered diary. Solferino editions



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pastel portrait of a dog by Nancy Smyth

Ritratti di animali espressivi di Nancy Smyth I Artsy Shark


L’artista Nancy Smyth usa il pastello e l’acquerello per catturare le espressioni e le personalità dei suoi soggetti con dettagli meravigliosi. Trova più della sua deliziosa arte visitandola sito web.

Ritratto pastello di un cane di Nancy Smyth

Pastello “Portami a casa… con te”, 16″ x 12″

Ho iniziato a disegnare quando ero molto giovane. Mia madre mi disse che sarei rimasta seduta in silenzio per ore, consumata dal colore e dal disegno al tavolo della cucina. Passando rapidamente all’età adulta, sono di nuovo al tavolo della mia cucina a creare dipinti a pastello dei miei soggetti preferiti: gli animali.

ritratto di cavallo pastello di Nancy Smyth

Pastello “Frankie”, 16″ x 20″

Due mie passioni sono avere cavalli e cani nella mia vita e creare opere d’arte. Anche se la proprietà del cane è stata una parte costante della mia vita fin dall’infanzia e ho ricevuto il mio primo cavallo nella mia adolescenza come regalo per il diploma di scuola superiore, sono ancora oggi parte integrante della mia vita.

ritratto di cane pastello di Nancy Smyth

Pastello “Remy”, 16″ x 12″

Questo mi ha dato il contatto diretto con i miei soggetti. Posso studiare le loro espressioni, sfumature e caratteristiche uniche, inestimabili nella creazione della mia arte.

Ritratto a pastello di un ragazzo e il suo cavallo di Nancy Smyth

Pastello “Before The Storm”, 18″ x 18″

A causa del mio legame con queste meravigliose creature, ho incontrato persone che la pensano allo stesso modo che sono diventate amiche per tutta la vita. Inoltre, quando non sono in grado di cavalcare o stare con il mio cavallo e i miei amici, creare la mia arte può aiutarmi a rimanere in contatto con quella parte della mia vita.

ritratto figurativo e pastello di cane di Nancy Smyth

Pastello “Devozione”, 17″ x 16″

Come il mondo dell’arte, le comunità di proprietari di cani e cavalli sono un enorme raduno di persone di diversa estrazione, tutte accomunate dalla stessa passione.

ritratto a pastello di cavallo di Nancy Smyth

Acquarello “Salt River Grazing”, 16″ x 20″

Amo provare cose nuove e la sfida di imparare a usare mezzi diversi soddisfa questa esigenza. Leggo articoli di artisti di cui ammiro il lavoro e studio le loro opere d’arte per raccogliere suggerimenti utili.

ritratto di cane pastello di Nancy Smyth

Pastello “perla”, 20″ x 16″

Partecipare a concorsi mi spinge anche ad imparare ad affinare il mio mestiere. Sono principalmente un pastelist che si concentra sugli animali, ma mi sto sfidando a usare acrilici, acquerelli e oli e a incorporare persone e paesaggi nella mia arte.

ritratto di volpe pastello di Nancy Smyth

Pastello “A Ray Of Sunshine”, 12″ x 18″

La mia carriera artistica professionale è iniziata più tardi nella vita, lavorando per decenni nel mondo aziendale. Durante quel periodo, non vedevo l’ora di iniziare il mio viaggio come artista. Quel momento è adesso.

ritratto di cavallo pastello di Nancy Smyth

Pastello “in attesa”, 16″ x 20″

Sia che il pezzo sia previsto per il mio portfolio o sia un ritratto su commissione dell’amato animale domestico di qualcuno, mi sforzo di ritrarre non solo una resa realistica, ma anche di catturarne l’unicità. Questo crea un’esperienza memorabile per lo spettatore.

ritratto di cavallo pastello di Nancy Smyth

Pastello “The After Bath”, 37″ x 29″

Quando ero al college, un professore mi ha detto che non avrei dovuto fare opere d’arte con animali come soggetto. Ma sapevo nel profondo che questo era quello che volevo fare, e sono così felice di aver seguito il mio cuore e di essermi avventurato su questa strada. Continuerò a imparare non solo per la mia crescita come artista, ma per creare opere d’arte che risuonino con i miei collezionisti. Amo rendere felici le persone. Quale modo migliore per farlo se non attraverso la mia arte?

L’artista Nancy Smyth ti invita a seguirla Instagram e Facebook.

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