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“Je suis la chaise” alla Galerie Chantal Crousel, Parigi

Posted on 12 Gennaio 2023 by tommaso

La mostra “Je suis la chaise” – che prende in prestito il titolo dell’omonima mostra di Michael Krebber alla Galerie Chantal Crousel nel 2007 – esplora i diversi simboli e le diverse interpretazioni date a questo oggetto generico e di uso quotidiano. La sedia è qui vista da vari artisti come una forma da decostruire o ricostruire, come un’estensione del corpo umano o addirittura come un’allegoria sociale.
La sedia ha sin dalla sua origine nell’antico Egitto la funzione principale di simboleggiare il rango e il potere del suo occupante e proprietario. Questa origine simbolica è contenuta nell’etimologia stessa della parola francese risalente al XIII secolo:chaiere— che significa sedia, sedile, trono. Una sedia è un oggetto incarnato: vuoto segna l’assenza, ma quando viene utilizzato diventa un tutt’uno con il corpo che sostiene. È anche un invito alla quiete, alla riflessione individuale o collettiva, come una pausa nel tempo. Questa mostra si propone di mettere in discussione la forma, la funzione, nonché il simbolismo della sedia, invitandoci a riconsiderarla grazie all’interpretazione spesso irriverente o altamente simbolica degli artisti.

Artisti partecipanti:
Allora & Calzadilla
Abramo Cruzvillegas
BENEDIRE
David Doard
Francesco di Goya
Wade Guyton
Mona Hatum
Thomas Hirschhorn
Klara Liden
René Magritte
Jean-Luc Moulene
Ken Okiishi
Rick Owens & Michèle Lamy
Hamish Perach
Anri Sala
Wolfgang Tillmans
Rirkrit Tiravanja
Oscar Tuazón
Heimo Zobernig

in Galerie Chantal Crousel, Parigi
fino al 4 febbraio 2023

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Creazione di una piattaforma per nuove voci

Posted on 12 Gennaio 2023 by tommaso

Produzione ancora del Gioco esteso episodio, Mel Chin: “Fondato” alla George Jackson Academy. © Arte21, Inc. 2008.

io incontrato per la prima volta il lavoro di Mel Chin nel 2011 durante un tour del Laboratorio e Museo del Tessuto a Filadelfia, accompagnando un gruppo di studenti dell’undicesima elementare della Kensington Culinary High School. Rivestite le pareti dello spazio dello studio pubblico c’erano centinaia di “Finanziamenti”, progettato da studenti della regione di Filadelfia. Potrebbe essere stata la prima volta che ho visto un artista contemporaneo utilizzare pratiche di impegno sociale per coinvolgere direttamente i giovani. Mel Chin ha creato il Progetto Dollar Bill finanziato in risposta alla catastrofe dell’uragano Katrina e alla necessità di ricostruire New Orleans. Ha progettato un modello per una banconota da 100 dollari in bianco, ha creato un piano di lezione e un sito Web e lo ha condiviso con il pubblico, invitando specificamente gli insegnanti ei loro studenti a partecipare. Chin ha proposto alcune grandi domande: Cosa vorrebbero i bambini d’America per il loro futuro? E se i responsabili politici potessero vedere i veri volti dei bambini colpiti dal denaro distribuito con parsimonia, la cui salute e sicurezza erano in bilico?

“Dare ai bambini la possibilità di condividere le loro esperienze e i loro sogni mi fa sentire visto anche come un insegnante.”

Il Progetto Dollar Bill finanziato continua, tredici anni dopo il suo inizio, come parte di Operazione Paydirt, che mira a sensibilizzare al problema dell’esposizione al piombo e della salute e dello sviluppo dei bambini. Sia la Kensington High School che la Christopher Columbus Charter School, dove attualmente insegno arte e tecnologia nelle scuole medie, si trovano in aree di Filadelfia ad alto rischio di esposizione al piombo (le scuole misurano rispettivamente 7 e 8 su 10 su una scala creata dal Mappa del rischio di piombo del censimento degli Stati Uniti. Questi numeri mi fanno pensare che l’esposizione al piombo dei miei studenti possa spiegare alcune delle sfide che hanno in classe. Sapendo che un artista contemporaneo come Mel Chin sta costruendo consapevolezza sulla giustizia ambientale e dare ai bambini la possibilità di condividere le loro esperienze e i loro sogni mi fa sentire visto come un insegnanteanche richiamando l’attenzione sulle aule tossiche e, si spera, innescando conversazioni più ampie sui finanziamenti per l’istruzione.

Mel Chin. Anche io, 2017. Scattata al municipio, Filadelfia, PA come parte del Monument Lab with Mural Arts. Granito, acciaio, bronzo, vetro, sistema di rampe in alluminio commerciale, compensato marino, pigmenti, rivestimenti antiscivolo e persone. Foto: Steve Weinik.

“Utilizzando i temi per ispirare il loro lavoro, i miei studenti hanno trovato modi più individualistici per esprimersi”.

Il mio secondo incontro con il lavoro di Chin è stato nell’estate del 2017, subito dopo il primo Art21 Educatori Istituto estivo. Per un progetto chiamato “Laboratorio Monumentale,” il Arti murali di Filadelfia programma ha invitato un elenco di artisti nazionali a realizzare installazioni monumentali temporanee in giro per la città. In un momento di sincronicità, le installazioni sembravano essere una risposta al raduno della supremazia bianca del 2017 a Charlottesville, in Virginia, e agli appelli per lo smantellamento dei monumenti di oppressione in tutto il paese. Un giorno sono entrato nel cortile del municipio di Filadelfia e ho trovato due grandi piedistalli di pietra sormontati da recinzioni di vetro a metà parete, vicino al centro dello spazio. Entrambi i piedistalli avevano alle loro spalle lunghe rampe, che riempivano metà del cortile ma che permettevano a chiunque di accedere a ciascun piedistallo attraverso una pendenza graduale. La mia reazione iniziale è stata “Ugh! Pessimo disegno! Perché ci sono queste brutte rampe di metallo? Stanno occupando tutto lo spazio!” Ma poi ho capito cosa stavo vedendo: il lavoro di Mel Chin, Due io (2017), collocato nel centro della nostra città, potrebbe aver reso le cose leggermente scomode ma ha creato un’opportunità per chiunque, indipendentemente dalle capacità, di diventare una figura monumentale. Il lavoro ha presentato l’idea che tutte le voci meritano di essere ascoltate, tutti i corpi sono degni di essere visti e tutte le persone meritano pari rappresentanza ai sensi della legge. Vedendo questo lavoro mi sono chiesto: sto permettendo alle voci dei miei studenti di essere ascoltate? Sto trattando i miei studenti in modo equo? Cosa accadrebbe se scendessi dal podio dell’insegnante e concedessi maggiori opportunità ai miei studenti di essere davanti e al centro?

Ho tenuto queste idee nel mio cuore quando ho iniziato il mio anno come Educatore Art21, nella settima coorte, e ho implementato strategie di insegnamento dell’arte contemporanea nella mia classe. I miei studenti e io abbiamo approfondito temi come “Sicurezza e protezione”, “Bellezza e identità” e “Opinioni informate”. Utilizzando i temi per ispirare il loro lavoro, i miei studenti hanno trovato modi più individualistici per esprimersi. Invece di presentarmi come la principale fonte di conoscenza artistica nella stanza, ho insegnato ai miei studenti a condurre ricerche e diventare esperti di opere d’arte che potevano insegnare ai loro coetanei. Invece di valutare i prodotti finali durante il mio tempo di preparazione, ho trascorso più tempo faccia a faccia con gli studenti in classe, mentre valutavano da soli il loro processo artistico e la loro produzione. Ciascuno di questi cambiamenti nella mia pratica mi ha permesso di fare un passo indietro permettendo ai miei studenti di fare un passo avanti.

Isaia Zagar. Immagine del mosaico dell’artista Isaiah Zagar, oltre 200 di queste opere pubbliche decorano Filadelfia, PA. Immagine fornita dall’autore.

Ad un certo punto dell’anno, ho esplorato il tema dei monumenti con i miei alunni di quinta elementare. Abbiamo fatto ricerche sull’arte pubblica a Filadelfia e abbiamo studiato quali tipi di monumenti e arte pubblica si potevano trovare. Gli studenti hanno mappato gli esempi più vicini alla nostra scuola e hanno programmato un viaggio a piedi per visitarli. Hanno trovato dei murales, di Isaia Zagar, che rivendica Filadelfia come il “Centro del mondo dell’arte” e altri murales che celebrano la squadra di basket dei 76ers e raffigurano le storie di immigrazione della comunità vietnamita locale, oltre a fari scultorei che segnano la porta tra South Philly e Center City. I miei studenti hanno considerato i messaggi e gli scopi dell’arte pubblica che avevano trovato e hanno descritto altri esempi dai loro quartieri, che hanno mappato per mostrare dove si sentivano al sicuro o meno. Abbiamo discusso di come l’arte pubblica può trasformare un quartiere– fornendo reti di sicurezza visiva – e gli studenti hanno progettato i loro monumenti e murales personali, quelli che desideravano vedere dove vivevano. Spero che questo processo di indagine, analisi e progettazione intorno all’arte nello spazio pubblico consenta ai miei studenti di considerare come possono contribuire alle loro comunità.

Mel Chin modella come si può creare una piattaforma per nuove voci. Il suo progetto di monumento ha rafforzato un cambiamento nel mio insegnamento, da lezioni incentrate sulla tecnica a lezioni più incentrate sui contenuti e sulla ricerca. Mentre dedico ancora del tempo ad argomenti come la miscelazione dei colori, l’ombreggiatura a matita e le tecniche di costruzione dell’argilla, discuto anche di opere d’arte e idee di brainstorming con i miei studenti e ascolto i loro punti di vista. Un insegnante artista può creare una piattaforma per far parlare gli studenti, in particolare i giovani, il che alla fine rende qualcosa di più grande e più potente di quello che si potrebbe realizzare da soli.

Collaboratore

Marie Elcin è un’artista ed educatrice che insegna agli studenti della scuola materna fino all’ottavo anno presso la Christopher Columbus Charter School di Filadelfia e agli adulti presso il suo centro artistico della comunità locale, il Fleisher Art Memorial. Lavorando all’interno del curriculum artistico della sua scuola che le richiede di coprire periodi storici dell’arte specifici, Marie trova costantemente modi per collegare esempi di arte locale e contemporanea al lavoro dei maestri di storia dell’arte. Ad esempio, ha collegato The Oxbow di Thomas Cole al lavoro dello scultore lego, Sean Kenney, che ha creato e installato una serie di sculture di animali in via di estinzione allo zoo di Filadelfia per criticare il modo in cui gli umani non si sono presi cura del nostro ambiente.

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Lucian Freud from another perspective. A major exhibition coming to Madrid – World

Posted on 11 Gennaio 2023 by tommaso

World – “I go to the National Gallery a bit like you might go to a doctor for help.”
Word of Lucian Freud. And so, fresh from the large exhibition dedicated to him by the British museum to celebrate the hundredth anniversary of his birth, the nephew of the illustrious psychoanalyst flies to Madrid for a new eagerly awaited appointment.
The painter who only asked his paintings to “amaze, disturb, seduce, convince” will be at the center of the retrospective that the Museo Nacional Thyssen-Bornemisza in Madrid is dedicating to him from 14 February to 18 June in collaboration with the National Gallery in London.
The exposure Lucian Freud. New perspectivesrunning until January 22 at the National Gallery, curated by Daniel Herrmann in London and Paloma Alarcó in Madrid, will move to the Spanish capital to celebrate the artist.
Visitors will be invited to retrace the seventy-year career of one of the most important European artists of the twentieth century through over 50 works on display, accompanied by an extensive catalog that raises new questions on the importance of the master with the aim of presenting him to new generations from a new perspective.

The first major retrospective organized since the artist’s death in 2011 focuses attention on his lifelong commitment to the essence of painting. Freud was a frequent visitor to the major art museums in the world and his work contains multiple allusions to the great masters of the past, from Holbein to Cranach, from Velázquez to Rembrandt, from Ingres to Cézanne.

Subversive, incisive, sometimes shocking, Lucian Freud’s painting has always focused on the representation of the human body and modern man. The itinerary will also include the five works of Freud conserved at the Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, the only Spanish museum to boast works by the artist in its collection. Baron Hans Heinrich ThyssenBornemisza was in fact one of the first private collectors to concentrate on the work of the painter who painted it twice. Their friendship matured during the long posing sessions.

Divided into various thematic sections, the exhibition traces the evolution of the painter from the 1940s to the beginning of the 21st century. The works populated by hieratic figures such as Girl with roses, painted with an almost primitivist detail. Portraits like Girl in Bed And Girl in a green dress or the creepy Hotel Room mark the end of this first phase.
From this point on Freud paints standing up, moving around the models with physical proximity that allows him to appreciate the smallest details, while the influence of Francis Bacon makes his brushstroke looser and strongly loaded with pigment.

The exhibition also returns other self-portraits made in this period, where the artist often uses a mirror as a pictorial device, as shown Reflection with Two Children (Self-Portrait) from 1965. Freud always painted from life and preferred to depict friends, family and lovers, although his ability to convey intimacy, not necessarily erotic, in his works – including affection, friendship or paternal love – has been hitherto little investigated. This intimacy is reflected above all in the double portraits, such as that of his painter friend Michael Andrews and his wife June (1965-66), in the portrait of his daughters Bella and Esther (1987-88) and in Two Menwhich immortalizes the artists Angus Cook and Cerith Wyn Evans.

As his fame grew, Freud occasionally accepted commissions from people he admired. Before the artist began to create the portrait, the models were forced to accept his request for conditions relating to the pose and the duration of the sessions, which always took place in his studio. The works of this period such as Man in a Chair (Baron HH Thyssen-Bornemisza) And Two Irishmen in W11 (1984-85) follow the tradition of the portraits of Rubens or Velázquez, with the models characterized by strongly introspective expressions, depicted seated, hands on the armrests of the chair.

Since the 1980s, the painter’s studio has become the frame and at the same time the subject of his paintings. It is perceived as an iconic and perfectly recognizable place, with its characteristic furniture, peeling walls, the floor presented in an ascending perspective that generates a marked sense of instability in the figures and elements represented, as can be seen from Large Interior W9 (1973) and from One night in the studio (1993).

The exhibition concludes with a section that brings together several monumental nudes, works that reveal a profound observation of the vulnerability of the human body and the plasticity of the flesh as a painting.
“I want paint to function like flesh,” the artist said in 1982, a statement that echoes in the fleshy materiality of his subjects’ faces and bodies. The vigorous representation of flesh on the canvas is moreover the most recurring aspect in Freud’s painting throughout his career. The artist began painting nudes in the 1960s, but it was especially in the last decades of his career that the emphasis on the very large dimensions of bodies made him a pioneer in the depiction of non-normative bodies, described with heavily impasto brushstrokes, similar to sediments of passing time.

The exhibition is open from Tuesday to Sunday from 10 to 19, Saturday from 10 to 21.

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L’artista ha immaginato un mondo in cui i grandi marchi sono stati dimenticati » Design You Trust

Posted on 11 Gennaio 2023 by tommaso

Secondo Julien Tabet (in precedenza In primo piano): “Mi chiamo Julien Tabet, sono un artista digitale francese e poco più di un anno fa mi sono sfidato a imparare il 3D da zero con Blender ea creare un’immagine al giorno per 365 giorni. La serie di immagini qui presentate è un semplice esperimento come parte del mio processo di apprendimento delle basi della composizione e modellazione 3D.

Ho sempre avuto un fascino per gli ambienti post-apocalittici in cui la natura ha preso il sopravvento sulle nostre città. Così ho immaginato un mondo in cui alcuni dei grandi marchi di questo mondo sono stati abbandonati e sono solo alcuni ricordi di una civiltà passata. Non c’è un messaggio particolare dietro queste immagini, che è stato solo un modo per divertirmi e fare pratica, ma sentiti libero di interpretarle a modo tuo!

Di più: Instagram h/t: boredpanda

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Rosa Aiello “Traffic” presso Kevin Space, Vienna

Posted on 11 Gennaio 2023 by tommaso

Il lavoro di Aiello attinge da film, libri, database online e oggetti trovati per formare un repertorio audiovisivo profondamente personale, intimo e alienante allo stesso tempo. Costruisce narrazioni esplorando le ambiguità fondamentali – sia il comfort che l’oppressione – delle strutture sociali e reali, e gli effetti di queste strutture sull’esperienza e sulla soggettività.
“Traffic” pone Aiello come una testimone acuta, una voyeur e persino un’intrusa, sovrapponendo, doppiando e filtrando deliberatamente materiale trovato attraverso il suo sguardo, il suo corpo e la sua mente, dissolvendo i confini: tra soggetto e oggetto di osservazione, tra l’artista e le posizioni dello spettatore. “Traffico”, tuttavia, supera di gran lunga l’universo personale di Aiello, poiché le scene, le immagini oi testi effimeri e banali vengono estratti per il loro valore all’interno di un tessuto socio-economico più ampio. Partendo da narrazioni e luoghi apparentemente disparati, eppure intrecciati, l’installazione porta alla luce meccanismi di traduzione e circolazione che sono il risultato di compressioni linguistiche, spazio-temporali, oltre che materiche.
Un elemento centrale dell’installazione è Distinti saluti (2022), un video che mostra filmati accidentali da un angolo a Reinickendorf, Berlino. Con la fotocamera del suo telefono, Aiello ha catturato il traffico che si verificava all’incrocio visibile dal suo appartamento. Oltre ai suoni della strada, l’artista ha soprannominato il suono dei propri passi. Sul pavimento del suo studio, Aiello ha ricostruito con cura e in modo imperfetto l’andatura e il ritmo del camminare di ogni persona, eseguendo la sua versione casalinga di una colonna sonora foley, una comune tecnica di post-produzione cinematografica, la cui necessità è aumentata con l’aumento della diffusione internazionale di Hollywood film, poiché le tracce vocali sovraincise in più lingue hanno comportato la conseguente perdita di alcuni effetti sonori originali. Il video è in dialogo con l’intervento architettonico che suddivide lo spazio espositivo in quattro sezioni – sospeso sopra il suolo e lasciando aperta la parte inferiore e quindi visibili i piedi dei visitatori – l’opera incorpora la presenza e i movimenti degli spettatori nella sua funzione audiovisiva , esperienza spaziale. L’appiattimento della differenza e della distanza qui pone le basi per la coesistenza sonora e l’intreccio di molti ritmi.
In questa mostra, il traffico è implicito al di là del movimento delle persone e verso lo scambio di merci e informazioni trasmesse attraverso un sistema economico. L’effetto del capitalismo globalizzato sul linguaggio e sulla percezione permane in otto collage di Distinti saluti (caso (Feste) Kiste), Distinti saluti (Rimaniamo), Distinti saluti (per favore non farlo), Distinti saluti (Egregi Signori), Distinti saluti (entrambi nel panico), Distinti saluti (prodotti della concorrenza più economici), Distinti saluti (Caro Rolf) e Distinti saluti (Caro signor Handy), (2022). Sui separatori di cartelle trovati, Aiello ha sistemato ritagli di pagine di un obsoleto manuale della RDT per scrivere lettere commerciali in inglese. Le opere centrano le particolarità del linguaggio – una gamma di scambi, espressioni e tonalità – applicate a diverse occasioni e urgenze per gli uomini d’affari nella Repubblica Democratica Tedesca socialista (e quindi i testi esistono come ipotetici mediatori tra blocchi socio-economici e politici divergenti). Alcune delle lettere selezionate da Aiello si concentrano sul commercio di materiali cinematografici e ricordano la natura mutevole della materialità e dell’economia del film, qui ruotando attorno all’importazione di pellicole negative sonore ORWO Film in India. I collage emanano la natura dei testi come reliquie in un mondo completamente cambiato e accelerato.
Egregi Signori (2022) è una fotografia scattata da Aiello, sempre dal suo appartamento di Berlino, dalla stessa stanza da cui è stato ripreso il filmato dell’incrocio. Il suo aspetto voyeuristico, invadendo la privacy di un uomo non identificato e senza camicia, flirta sia con empatia che con dominio, e quindi intensifica un’attenzione inquieta che attraversa “Traffico”, a metà tra la cura, la rivendicazione e la testimonianza.

in Kevin Space, Vienna
fino al 28 gennaio 2023

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L’apertura intrinseca della mente alveare

Posted on 11 Gennaio 2023 by tommaso

The Silence = Death Project, Silence = Death, 1987. Manifesto, litografia offset; 33 1/2 × 22 pollici. Per gentile concessione di Avram Finkelstein

WSiamo così inondati di immagini che pensiamo di sapere tutto su di loro. Diamo alle immagini un peso enorme, anche se in realtà sono solo la decorazione scenica del nostro paesaggio sociale – il cielo, le rocce e gli alberi – e pensiamo a malapena due volte a come sono nate o appaiono davanti a noi; sono come lo sfondo di un cartone animato. Le immagini ci aiutano a definire come pensiamo a noi stessicollettivamente, ma la maggior parte di noi non le considera mai in modo critico, nemmeno le immagini che risuonano con noi, come “Silence=Death”.

Per molti di coloro che hanno risposto alla sua chiamata, “Silence=Death” è arrivato a rappresentare un punto di svolta nella lotta per l’autodeterminazione queer, e quindi, mentre le immagini vanno, getta un’ombra potente. Tuttavia, se si sposta l’attenzione dal centro di ciò che crediamo rappresenti questa immagine e verso la sua penombra allungante del tardo ventesimo secolo, gli usi istituzionali di un’immagine come “Silence=Death” hanno meno a che fare con l’agire politico e più con il suo graduale riposizionamento all’interno della nostra immagine comune– il panorama narrativo creato per reificare il capitalismo in fase avanzata – insieme a marchi come Apple e Doritos e la recente fattibilità commerciale delle celebrazioni della rivolta di Stonewall.

“’Silenzio=Morte’” non ha creato la necessità di agire politicamente; l’ha appena chiamato.

È inconfutabile che l’attivismo contro l’AIDS sia stato una pentola a pressione che ha accelerato lo sviluppo di farmaci contro l’AIDS, ma la deregolamentazione del processo di approvazione dei farmaci era una richiesta che le agenzie federali erano felici di soddisfare. E così, il continuo dispiegamento istituzionale di immagini come “Silence=Death” serve effettivamente a privilegiare il dissenso che si presume utile – dissenso che perpetua direttamente il capitalismo o crea sottoprodotti culturali, come l’immagine “Silence=Death” – rispetto alle strategie di resistenza che sono considerate distruttive , come interventi che minacciano la proprietà strutturale o la proprietà. L’uso istituzionale di “Silence=Death” situa anche il branding come salvavita, se si è disposti a mettere da parte la presunta neutralità dell’accesso alle cure e ai diritti di proprietà intellettuale farmaceutica. Inoltre, vedere l’efficacia di “Silence=Death” come una rappresentazione dell’esperto di branding attivista ignora i sei anni di tormento che hanno portato alla nascita dell’immagine e balza sul mercato che alla fine è diventato l’AIDS, più o meno allo stesso modo in cui le aziende gli sponsor immaginano il loro sussidio per la commemorazione del cinquantesimo anniversario di Stonewall come un investimento in una nuova generazione di consumatori tradizionali, piuttosto che una punta di cappello alla rivolta.

Allo stesso modo, è un fraintendimento della natura dell’agire politico riferirsi a produzioni culturali come “Silence=Death” come aver spinto all’esistenza l’attivismo contro l’AIDS, quando il contrario è molto più vicino alla verità. “Silence=Death” non ha creato la necessità di agire politicamente; l’ha appena chiamato. Il movimento è stato l’inevitabile risposta a un disastro ferroviario al rallentatore di sofferenza e disperazione, una volta che è diventato chiaro che lo stavamo vivendo collettivamente. Il progetto Silence=Death ha appena pubblicato un poster per le strade di Manhattan nello stesso momento in cui centinaia di persone si sono riunite al New York LGBT Community Center nel tentativo di agire sulla loro disperazione. Se gli individui non si fossero organizzati durante la coincidente saturazione dei poster di “Silence=Death” nelle strade di Manhattan, il poster sarebbe potuto semplicemente andare e venire, come milioni di altri a New York.

The Silence = Death Project, Silence = Death, in situ, 1987. Manifesto, litografia offset; 33 1/2 × 22 pollici. Per gentile concessione di Avram Finkelstein.

È rassicurante immaginare che i movimenti riflettano una decisione collettiva di agire; lo fanno, ma un movimento avviene una persona alla volta e si evolve prima di prendere la sua forma collettiva. Una volta che un movimento prende forma, continua a trasformarsi e l’enorme potere dell’azione politica collettiva alla fine eclissa le fasi del suo sviluppo, rendendo facile trascurare il potere della voce individuale. Gli individui fanno movimenti, più o meno allo stesso modo in cui fanno i mercati: in modo incrementale, cumulativo, come risposta alle comunanze dell’esperienza umana o di messaggi che lo rappresentano, come estensioni di consenso (per quanto fragili o evanescenti possano essere), e come articolazioni di un desiderio di essere considerati o visti.

“Non c’è idea che non possa essere migliorata da più menti.”

Uno dei risvegli più duri all’interno dell’America di Trump è quanto possa diventare selvaggia la spinta a esprimere l’agire individuale e, all’interno dei chiostri isolati dei social media, quanto spesso sia rabbiosa. Le esibizioni online dell’impulso primordiale di essere ascoltate esistono su entrambi i lati dei beni comuni politici. Fortunatamente, anche il desiderio di collettività lo fa: appartenere, agire con gli altri ed essere situato in un paesaggio di contratto sociale condiviso. La collettività è primordiale quanto la rabbia e può essere facilmente incoraggiata, guidata e nutrita.

Avram Finkelstein/Queer Crisis Flash Collective, Queer Crisis, 2014. Da un workshop co-organizzato con Dan Fishback, sponsorizzato dall’Helix Queer Performance Network e dall’Hemispheric Institute of Performance and Politics, New York. Adesivi da staccare e staccare; 4 x 4 pollici. Per gentile concessione di Avram Finkelstein.

Sulla base di decine di workshop sulla pratica collettiva che ho condotto, durante i quali ho riunito un gruppo di estranei per creare un intervento politico in uno spazio pubblico, ho osservato la presenza di diversi tratti degni di nota. La prima è che inventiva, originalità, incisività e analisi esistono in ogni stanza piena di estranei. La seconda è una sorprendente disponibilità a fidarsi della collettività, per quanto momentanea. Il terzo è l’urgenza di partecipare, di andare “sul disco” e, quando le persone sentono di non essere sole, di farlo pubblicamente. Il quarto è l’intrinseca apertura della mente alveare, che generalmente assistiamo come chiusa (fino alla scortesia) negli spazi sociali di Internet, spazi che purtroppo fraintendiamo come spazi comuni per il dialogo. Come propagandista esperto, posso assicurarti che non lo sono. Internet è uno spazio per la consegna di messaggi, non per l’ascolto, e il dialogo dipende dall’ascolto.

Avram Finkelstein/What Is Undetectable Flash Collective, What Is Undetectable?, 2014. Da un workshop co-organizzato con Jason Baumann e Visual AIDS, sponsorizzato dalla New York Public Library. Cartoline lenticolari e lightbox, 6 x 6 pollici e 36 x 36 pollici. Per gentile concessione di Avram Finkelstein.

“Quando viene chiesto, la maggior parte delle persone ha fame di esprimere la propria visione del mondo”

Sono stato infinitamente sorpreso dalla sorprendente intelligenza dello sforzo collettivo. Non c’è idea che non possa essere migliorata da più menti. Ogni esercizio di azione collettiva che ho condotto produce non una, ma diverse affermazioni potenti di interesse sociale. Sono convinto che se potessimo sequestrare un vagone della metropolitana pieno di sconosciuti alla fermata Jamaica-179th Street della linea F a Manhattan, con loro potremmo ideare più opere d’arte pubblica prima di arrivare a Coney Island-Stillwell Fermata viale.

La brillantezza intrinseca e l’attitudine innata della mente collettiva è un segreto sociale ben custodito, che le strutture di potere istituzionali ci nascondono, per ovvie ragioni: ne hanno molta paura. Così come dovrebbero essere. Quando viene chiesto, la maggior parte delle persone ha fame di articolare la propria visione del mondo e vi presta molta più attenzione di quanto siamo portati a credere.

Collaboratore

Avram Finkelstein è un membro fondatore dei collettivi Silence=Death e Gran Fury. Il suo lavoro è nelle collezioni permanenti del Museum of Modern Art, del Whitney Museum of American Art e del New Museum of Contemporary Art. È descritto nella storia orale dell’artista presso lo Smithsonian Institution Archives of American Art e il suo libro, After Silence: A History of AIDS Through its Images, è disponibile presso la University of California Press.

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The week on TV, from great art thefts to a feminine Rome

Posted on 10 Gennaio 2023 by tommaso

Sensational thefts, unsolved puzzles, unusual destinations for a trip or for a simple stroll around the city: at the end of the Christmas holidays, art returns to TV to make everyday life more beautiful and interesting. The first appointment is Monday 9 January with Art Rider, broadcast on Rai 5 at 19.15, when the traveling archaeologist Andrea Angelucci will lead viewers to discover Rome seen from a very special perspective. The history of the Eternal City is full of women with strong personalities who have left their mark in the most diverse fields, starting with art. Their traces are still hidden on the streets of Rome, ready to speak to the most attentive observers. Art Rider will reveal their stories to us, along with surprising corners of a city that he never ceases to amaze.

On Tuesday 10, however, a new episode of the Sky series will premiere on TV Art Crimes will investigate the sensational theft of theScream by Munch in Oslo, during the ’94 Olympics. For those who missed them, two more episodes will be available this week: Wednesday at 3.30 pm we will fly to Nice, to find out all the details of the incredible undercover operation which in 2007 made it possible to recover two Bruegel stolen with a perfect theft, while Sunday 15th it’s up to Caravaggio and to the mystery of Nativity stolen from the Oratory of San Lorenzo in Palermo in 1969 and never found again.

BANKSY – The Art of Rebellion I Getty Images | Courtesy of Adler Entertainment

Also on Wednesday, Sky Arte returns Banksy – The Art of Rebellionthe film that tried to shed light on the most enigmatic character of the contemporary art scene: through rare archival images and the testimonies of people very close to the Bristol street artist, we will reconstruct his story from top to bottom.

The week continues on the Sky channel dedicated to art with Burning Man – The festival in the desert: sand, fire and art are the ingredients of an extraordinary event, which takes place every year in Nevada (Thursday 12 at 21.15). Over the weekend, two documentaries await Leonardo da Vinci enthusiasts: Friday The mysteries of the Mona Lisa will tell the latest theories on an always elusive and intriguing masterpiece (3.35pm, with a repeat on Saturday at 12.15pm), while on Sunday it’s the turn of the controversial Salvador Mundithe most expensive work of art ever to be auctioned, around which doubts and controversies have never subsided (16.00).

Andrea Mantegna, Adoration of the Magi, circa 1497-1500. From the documentary “Hidden Renaissance. African presences in art”. this week on Sky Arte HD

The atmosphere of Africa will warm up the evening: it begins with The hidden Renaissance – African presences in artto discover a hitherto little-studied aspect of the great painting of the 15th and 16th centuries (22.45), to end on a high note with African Pop Culturean exploration of the crucial contribution black culture has made to contemporary creativity (00.25).

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Cindy Crawford e Helena Christensen Scattate da Helmut Newton per Vogue, dicembre 1991 » Design You Trust

Posted on 10 Gennaio 2023 by tommaso

L’iconica fotografia di Helmut Newton di Cindy Crawford e Helena Christensen a bordo piscina a St. Tropez, pubblicata su Vogue nel dicembre 1991, esemplifica perfettamente lo stile distintivo del fotografo di immagini erotiche e stilizzate con una forte narrazione e raffiguranti donne con un senso di potere.

Nonostante i suoi contributi all’industria della moda e il suo lavoro esposto in gallerie e musei, Newton si è identificato come un “pistola a noleggio” piuttosto che come un artista. Per tutti gli anni Novanta e oltre, le fotografie di Newton con top model come Crawford e Schiffer hanno contribuito a plasmare la direzione della fotografia di moda ea consolidare la sua reputazione di padre dell’industria.

h/t: vintage.es

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Hanne Lippard “Story not Story, Part II” al LambdaLambdaLambda², Prishtina

Posted on 10 Gennaio 2023 by tommaso

La mostra di Lippard “Story not Story, Part II” è una continuazione della sua mostra “Story not Story” che si è tenuta a LA MAISON DE RENDEZ-VOUS, Bruxelles il mese scorso. Presenta la nuova installazione sonora Nessuna rete così come quello di Lippard Maledizioni negative (2021) dalla sua serie in corso di Tavolette maledette (2018-).

Hanne Lippard ha utilizzato il linguaggio come materia prima per il suo lavoro nell’ultimo decennio, elaborandolo sotto forma di testi, performance vocali, installazioni sonore, oggetti stampati e sculture. L’artista ha sviluppato una pratica che si trova alla confluenza di parola parlata e scritta, in cui si appropria di contenuti dalla sfera pubblica, principalmente da fonti online o dal campo della pubblicità, per indagare come l’aumento della comunicazione e della mediazione digitale stia riprogrammando il nostro rapporto con il linguaggio. Lippard intreccia il testo trovato con il proprio materiale, che poi manipola attraverso una varietà di dispositivi, come la ripetizione, lo spostamento dell’intonazione o lo sfruttamento degli omonimi, al fine di formulare riflessioni sulla vita contemporanea.
Attinge a temi tra cui questioni di benessere fisico e mentale, auto-ottimizzazione e vita attraverso l’obiettivo dei social media. Raccogliendo consapevolmente le cuciture dei suoi testi trovati e fabbricati, Lippard ci rende acutamente consapevoli della fragilità del linguaggio come strumento per trasmettere significato e senso. Espone i suoi difetti, le sue stranezze, i suoi doppi sensi e il suo potenziale di interpretazione errata attraverso una serie di espressioni calmamente ossessive che hanno un’affinità con gli esperimenti letterari iconoclasti del movimento Dada.

Sia il Maledizioni negative (2021) e Nessuna rete (2022) sono il risultato di un anno di ripetuti rifiuti, rifiuti e cancellazioni, sia a livello privato che professionale. Questa costante negazione ha portato Hanne Lippard a dubitare della propria incapacità di dire di no, rendendosi conto che spesso diceva di sì, per poi pentirsene in seguito, sentendo che era troppo tardi per ritirarsi una volta che il sì era stato pronunciato, come se fosse stato inserito pietra. L’installazione sonora Nessuna rete (2022) è un rifiuto in loop, che fa risuonare una spirale infinita di disconnessione verso un corpo invisibile. Sebbene la connessione non esista, è insopportabilmente presente nella sua assenza, creando il proprio spazio digitale negativo.

in LambdaLambdaLambda², Pristina
fino al 28 gennaio 2023

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Reading at the Edge of the World: The Horizon Toward Which We Move (Part I)

Leggere ai confini del mondo: l’orizzonte verso il quale ci muoviamo (parte I)

Posted on 10 Gennaio 2023 by tommaso

Veduta dell’allestimento della mostra Vittoria della lotta di solidarietà, 13 settembre-9 novembre 2019, a Southern Exposure, a cura di PJ Gubatina Policarpio e con Jerome Reyes. Foto: Minoosh Zomorodinia per l’esposizione a sud. Immagine gentilmente concessa da Southern Exposure.

UN conversazione tra PJ Gubatina Policarpio e Girolamo Reyes.

Questa conversazione del 2019 si è svolta nello studio e nel giardino di Jerome Reyes a San Francisco. Reyes vive tra Seoul, Corea del Sud, e la sua nativa San Francisco, e Policarpio è recentemente tornato a San Francisco, con impegni in corso sulla costa orientale. Policarpio è il curatore di Vittoria della lotta di solidarietà, e Reyes è uno degli artisti in mostra. Lo studio di Reyes detiene gli archivi chiave del San Francisco State College (SFSC, ora San Francisco State University) degli anni ’60 dei curricula progettati dagli studenti, che sono fondamentali per la premessa della mostra. In questa conversazione, sia Policarpio che Reyes meditano sulle più ampie implicazioni della tesi dello spettacolo in relazione al tempo, alla pedagogia, ai movimenti e al cameratismo. Questa è la prima puntata di un’intervista in due parti.
—PJ Gubatina Policarpio

Leggi “Leggere ai confini del mondo: l’orizzonte verso il quale ci muoviamo (parte II).”

JEROME REYES: PJ, la tua descrizione del Vittoria della lotta di solidarietà La mostra è immediatamente provocatoria: “Una valutazione contemporanea di uno dei contributi più rivoluzionari della Bay Area al mondo: il diritto di conoscere noi stessi”. Come sei arrivato a questa urgenza? In che modo questa premessa è opportuna e inopportuna, dato l’elenco di artisti che hai selezionato e il clima culturale generale negli Stati Uniti?

PJ GUBATINA POLICARPIO: Nel dare forma a questa mostra, sono stato influenzato dalla mia crescita a San Francisco, frequentando la Balboa High School e i distretti Excelsior e Mission. Lo spettacolo riflette quell’educazione.

“Un vantaggio di essere un immigrato in questo paese è che puoi costruire la tua comprensione di cosa sia l’americanità”.

La mia esperienza a San Francisco è sempre stata radicata nell’istruzione pertinente. Ho letto Toni Morrison in terza media, seguito da Carlos Bulosan, Sandra Cisneros, N. Scott Momaday, Leslie Marmon Silko e altri. Queste voci che aprono l’universo mi hanno insegnato come essere in questo nuovo paese in cui vivevo. Devi capire, mi sono trasferito negli Stati Uniti a 13 anni, già armato della conoscenza di un intero mondo che mi sono lasciato alle spalle. Un vantaggio di essere un immigrato in questo paese è che puoi costruire la tua comprensione di cosa sia “l’americanità” perché non è un tuo diritto di nascita. Puoi costruirlo, modellarlo e sfidarlo. In sostanza, Morrison e gli studi etnici sono stati i miei architetti e le mie fondamenta. Mi hanno insegnato tutto ciò di cui avevo bisogno per conoscere questo paese. Mi hanno insegnato qualcosa su me stesso. Questa mostra è un omaggio a questo.

Allo stesso tempo, ogni momento rivoluzionario dovrebbe avere una valutazione, per ricordare i momenti tranquilli che portano a eventi storici e per valutare cosa è utile e cosa scartare dei precedenti movimenti radicali. È un equilibrio tra questi impulsi gemelli.

Vista dell’installazione di Demian DinéYazhi, Senza titolo (Bibliografia femminista queer indigena radicale), 2016. Mural is a part of Dene bāhī Naabaahii mostra al Center for Contemporary Native Art, Portland Art Museum. Foto: Demian Diné Yazhi.

REY: La maggior parte degli artisti presenti nella mostra sono educatori e archivisti collaudati, con pratiche investite nella costruzione istituzionale e nella rottura, nonché nell’auto-riflessività. Descrivi perché hai scelto questi artisti, che traggono ispirazione dallo sciopero studentesco del San Francisco State College (SFSC) del 1968, e in che modo l’ambito della mostra accoglie uno spettro di spettatori che è multigenerazionale e intersezionale.

“Ogni momento rivoluzionario dovrebbe avere una valutazione, per ricordare i momenti tranquilli che portano a eventi storici”

POLICARPIO: Gli artisti in questa mostra non solo hanno rigorose pratiche di studio, ma sono anche profondamente impegnati con l’educazione e la pedagogia. Si occupano sia dell’insegnamento che del disimparare. Ad esempio, insegni a Stanford e svolgi altri lavori formali e informali sia qui che in Corea del Sud. Dylan Minatore è professore e direttore di American Indian and Indigenous Studies presso la Michigan State University. Kameelah Janan Rashid è un ex insegnante di scuola superiore che continua a lavorare come sviluppatore di programmi di studio per le scuole pubbliche di New York City. Al di fuori del mondo accademico, con sede a Oakland Dignità Ribelleuna collaborazione tra gli artisti Melanie Cervantes e Jesus Barraza, e Demian Dine Yazhi’è collettivo, RISE: Sopravvivenza e responsabilizzazione indigena radicale, sono piattaforme critiche per visualizzare, organizzare e diffondere strategie ed estetica di sopravvivenza e resistenza attraverso l’arte, le pubblicazioni e la programmazione. Sadie Barnette e Patrizio Martinez estrarre il vernacolo visivo e storico delle loro città d’origine, Oakland e Los Angeles, per trascrivere e illustrare la sua complessità, sfumatura e bellezza. Le opere d’arte in questa mostra ci sfidano con nuovi modi di vedere, comprendere e conoscere. Questa è educazione radicale.

Sadie Barnette, Senza titolo (Malcolm X parla), 2018. Stampa a pigmenti d’archivio e cristalli Swarovski. Per gentile concessione dell’artista e della Charlie James Gallery, Los Angeles.

REY: Ero eccitato dall’elenco degli artisti. Il tono della struttura del progetto adotta un approccio realista e pragmatico durante il primo mandato di Trump e un’ondata di cinquant’anniversari di sinistra. Come hai deciso di affrontare questa premessa e, cosa più importante, come infondi speranza a tutti i partecipanti, spettatori e lettori?

POLICARPIO: Inizialmente non pensavo all’amministrazione Trump. Per me, valutare significa pensare criticamente a ciò che ha reso questo particolare movimento una vittoria. Quali sono stati i punti critici? Per me, la risposta è solidarietà: l’unione di molteplici lotte intrecciate e interconnesse, l’intersezionalità e la disgregazione di sistemi e istituzioni. Come sai, questo lotta è venuto fuori e dopo il movimento per i diritti civili, le proteste nonviolente e la disobbedienza civile di quel movimento con la radicalità e l’urgenza delle Black Panthers, che hanno avuto origine a Oakland nel 1966. Si trattava di disgregazione attiva, anche della violenza come tattica e strategia. Nel rivisitare questo vittoria del 1968 e del ’69, voglio che pensiamo a come un attivismo progressista, collettivo e dirompente possa esserci utile oggi. La mostra presenta un elenco di artisti nati dopo il 1969, che sono tutti molto allineati con l’ethos del movimento, ma che lottano anche con e sfidano la sua eredità, i suoi limiti e il suo futuro.

REY: Il tuo libro precedente, Tessili delle Filippine, ha un pubblico globale ed è nella collezione della Thomas J. Watson Library al Metropolitan Museum of Art. Il Vittoria della lotta di solidarietà la pubblicazione è fondamentale per la tua pratica più ampia. Alcune comunità a volte vedono la letteratura come avente un lignaggio più forte e più rintracciabile che in realtà forti lignaggi dell’arte contemporanea / visiva, come nella storia dell’America asiatica. Collochi questa sensibilità in molteplici forme nel quadro espositivo. Come stai vivendo questa esperienza, lavorando con tanti autori per realizzare un libro che vada di pari passo con la provocazione della mostra?

POLICARPIO: Volevo realizzare una pubblicazione che potesse reggersi da sola. Non volevo solo riprodurre la mostra e mostrare opere d’arte ed elencare gli artisti. Volevo un progetto parallelo premuroso. Questo mi ha portato a collaborare con Vivian Sming, di Sming Sming Books. Ho anche lavorato con il Labor Archives and Research Center, presso la J. Paul Leonard Library della San Francisco State University (SFSU), per includere immagini e volantini dell’epoca per sottolineare la giovinezza degli scioperanti. Erano così giovani! Essere uno studente in quel momento significava davvero combattere la buona battaglia. Voglio che la pubblicazione si collochi in questo contesto, che non è visibile nelle gallerie.

“Che aspetto ha un college di studi etnici oggi o in futuro?”

Volevo anche un testo multivocale. Sono entusiasta di ricevere contributi da Tongo Eisen-Martinl’acclamato poeta ed educatore di San Francisco, e Amy Sueyoshi, l’attuale decano del College of Ethnic Studies della SFSU, che fornirà una panoramica storica della necessità degli studi etnici, cinquant’anni fa, e delle sue preoccupazioni contemporanee. Che aspetto ha un college di studi etnici oggi o in futuro? I libri sono qualcosa con cui convivo; mi aprono mondi.

Biblioteca americana Pilipinx all’Asian Art Museum, 2018. Foto: Anthony Bongco.

REY: A proposito di pubblicazioni, la tua ampia Biblioteca americana Pilipinx (PAL) è un progetto migratorio e mutevole. Il suo tratto più sorprendente è che spinge la legittimità di molteplici lignaggi e generi letterari mentre accoglie una gamma divergente di pubblico. Il suo slancio ti ha persino permesso di scrivere per la rivista di bordo di Philippine Airlines e di lavorare al fianco di numerosi scrittori, come Elaine Castillo, autrice del romanzo acclamato dalla critica, L’America non è nel cuore. Come si è evoluto il PAL?

POLICARPIO: PAL è la mia collaborazione con un amico, Emmy Cattedrale. È nato da numerosi pasti, passeggiate e conversazioni, di solito mentre andavamo alle riunioni di Decolonize This Place, quando aveva sede presso Artists Space nel 2016. All’epoca vivevamo entrambi nel Queens; Emmy è ancora a Jackson Heights. C’era così tanta dissonanza tra il luogo in cui vivevamo – questa comunità polisillabica e multilingue che è uno dei luoghi più diversi di New York City, se non del mondo – e una retorica così xenofoba e anti-immigrati; è stato così stridente per noi.

Uno dei modi in cui siamo in grado di affermare la nostra presenza e la nostra storia [in this country] è attraverso i libri e la letteratura. Siamo rimasti sorpresi nel sentire persone all’interno di un circolo artistico istruito dire: “Non ho mai letto prima il lavoro di un autore filippino”. È stato scioccante per me, venendo da San Francisco, quindi Emmi e ho messo insieme le nostre raccolte di libri per creare PAL. Da allora siamo stati in mostre e residenze, a La metropolitana di Wendy a Brooklyn e il Museo d’arte asiatica a San Francisco, con rigorose componenti di programmazione pubblica. All’Asian Art Museum, le nostre parole guida, “Abbiamo sognato un luogo dove riunirci,” proveniva dal poeta, storico orale, attivista dell’International Hotel e nativo di San Francisco Al Robles (1930–2009). Con la San Francisco Public Library and Public Knowledge, un progetto del San Francisco Museum of Modern Art, abbiamo ospitato letture di Castillo, Janice Sapigao, Melissa Sipin, Malaka Gharib, Grace Talusan e, più recentemente, Gina Apostol. Con PAL, vogliamo amplificare queste voci e portarle a un pubblico il più vasto possibile. Siamo interessati a creare sfumature per contrastare la cancellazione storica e l’invisibilità: siamo qui. Siamo stati qui.

Vista dell’installazione di Biblioteca americana PilipinxMuseo d’Arte Asiatica, 2018. Al Robles, Rappin’ con diecimila Carabao nell’oscurità: poesie1996. Pubblicazioni Kearny Street Workshop: Senza nomi, (1985), Luogo d’inverno(1989), Ottobre Luce (1987). Foto: Anthony Bongco.

REY: Rendi pubblico così tanto del tuo lavoro, ma su cosa vorresti approfondire, aspetti del lavoro che gli spettatori potrebbero non vedere così tanto ma che hanno uguale importanza?

“La mia pratica è una confluenza di condivisione, condivisione eccessiva e parentela intenzionale”.

POLICARPIO: La mia pratica è una confluenza di condivisione, condivisione eccessiva e parentela intenzionale. Mi sento così fortunato non solo a conversare, ma anche ad avere legami sinceri con artisti, studiosi, curatori, scrittori e organizzatori che ammiro e rispetto. Queste relazioni si manifestano come tutoraggio, collaborazioni e amicizie, sostenute ugualmente durante pasti o caffè o interurbane, tramite messaggi diretti o e-mail di Instagram. Parte del nutrimento delle relazioni è fornire un feedback critico, inclusi consigli sulla moda, e allo stesso modo citare e pubblicizzare il loro lavoro; siamo esperti in entrambi. Queste amicizie, soprattutto in questo campo, possono essere rivoluzionarie e dovrebbero essere celebrate.

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