In the room of wonders. Max Ernst talks about himself in Milan – Milan



Max Ernst, Edipus Rex, 1922. Oil on canvas, 93 x 102 cm. Private collection, Switzerland Album / Fine Arts Images / Mondadori Portfolio © Max Ernst by SIAE 2022

Milan – For the first time in Italy a major exhibition pays tribute to the visionary genius of Max Ernst. It happens at Palazzo Reale, with as many as 400 works arrived for the occasion from all over the world: from the Peggy Guggenheim Collection and the Ca ‘Pesaro Gallery in Venice and the Center Pompidou in Paris, the Tate Gallery in London and the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid, from the Fondation Beyeler in Basel, the State Museums and the Arp Foundation in Berlin, to tell the story of a famous artist, but perhaps not fully understood, in the light of the latest research. Max Ernst the Dadaist, the surrealist, the romantic, the pataphysician, the humanist interested in the Renaissance: “he was one of the greatest artists of the twentieth century, one of the most cited and discussed, elegant and with an adventurous life like a novel, and yet little known to the general public ”, say curators Martina Mazzotta and Jürgen Pech.

Ernst did not even think about promoting himself. At the Venice Biennale of ’54, for example, an usher did not recognize him and blocked him at the entrance, preventing him from participating in the ceremony for the delivery of the first prize for painting that had been assigned to him. The artist did not insist and went around the churches of the Serenissima, looking for a Tintoretto whom he wanted to admire since his arrival in the city.


Max Ernst, Men Will Know Nothing, 1923. Oil on canvas, 80.3 x 63.8 cm Tate, acquired in 1960 © Tate, London, 2022 © Max Ernst by SIAE 2022

“Ernst’s work”, Pech and Mazzotta affirm, “is extremely varied and multiform, it escapes any tangible definition, but it is always play, curiosity, wonder”. We will discover it at Palazzo Reale from 4 October to 23 February, in a full-bodied itinerary along 70 years of 20th century history, including paintings, sculptures, drawings, collages, photographs, illustrated books, some of which have been far from the exhibition scenes for several decades. On stage the story of a rich and adventurous creative parable, of illustrious friendships and extraordinary loves (Peggy Guggenheim, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, the ménage-a-trois with Gala and the poet Paul Elouard), of war and imprisonment from “Degenerate artist” sought after by the Nazis, until he moved to the United States for a new season of experimentation.


Max Ernst, Pietà or The revolution at night, 1923. Oil on canvas, 116.2 x 88.9 cm. Tate, acquired in 1981 © Tate, London, 2022 © Max Ernst by SIAE 2022

In nine chapters, the exhibition promises visitors a complete walk in Ernst’s universe between references and correspondences, with a multidisciplinary approach like his art. Here presented as a “neo-renaissance humanist”, as well as an extraordinarily multifaceted artist, Ernst was a profound connoisseur and visionary interpreter of the history of art, philosophy, science and alchemy. His work opens up to the public like a gigantic wunderkammer, inviting him to dive into a world of intriguing puzzles and amazing games of perception. “The life and work of Ernst – conclude the curators – represent an extraordinary journey through the twentieth century and offer ingenious ways to make poetry what is banal, to look with courage at the dark as at the light, to extend the gaze to the limits of the visible – yesterday as today ”.


Max Ernst, L’Ange du Foyer, 1937. Oil on canvas, 54×74 cm. Private Collection

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figurative painting by Boglarka Pataki-Barothi

Dipinti figurativi di Boglarka Pataki-Barothi I Artsy Shark


Goditi il ​​portfolio dell’artista Boglarka Pataki-Barothi, che crea immagini deliziose utilizzando colori e motivi audaci. Scopri di più del suo lavoro visitandola sito web.

pittura figurativa di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “The Blanket” su tela, 18″ x 36″

Spero che le mie opere ti parlino più di quanto io possa dire su di loro.

pittura figurativa di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “Primavera” su tela, 36″ x 18″

L’arte è cibo per la mia anima e il processo di creazione è come la meditazione. Mi mantiene nel momento presente nel flusso perfetto.

pittura figurativa di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “Polpo” su tela, 12″ x 24″

Amo ammirare le creazioni dei miei colleghi artisti e sono sempre così ispirato a creare più arte da solo. Mi stupisce quanti brillanti creativi ci siano là fuori. Come l’arte rende il mondo molto più bello e unisce le persone.

dipinto di un acchiappasogni di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “Catcher” su tela, 12″ x 24″

Attraverso la mia arte voglio aggiungere a quella bellezza, far sorridere le persone e inviare il messaggio di interconnessione e interdipendenza.

pittura figurativa di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “Stagioni” su tela, 148″ x 36″

I media con cui lavoro di più sono la pittura acrilica e la tecnica mista. Occasionalmente mi piace anche giocare con i tessuti.

pittura figurativa astratta di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “The Beginning” su tela, 24″ x 48″

Il disegno è la base di tutti i miei lavori. Abbozzo l’idea, ingrandisco il disegno alla sua dimensione originale, quindi faccio un disegno a linee sottili del layout finale e lo coloro come un libro da colorare.

pittura figurativa di Boglarka Pataki-Barothi

“Riflessioni” (dittico) acrilico su tela, 36″ x 36″

Non metto a strati la mia vernice. La maggior parte delle volte utilizzo solo uno strato, a volte due se necessario per rendere i colori più piatti. Raramente uso i colori direttamente dal tubo. Mescolarli mi dà quella tonalità, sfumatura, tono o tinta esatti che mi piace.

pittura figurativa astratta di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “stelo” su tela, 18″ x 36″

Lo stile con cui lavoro è decorativo con forme piatte, linee, punti e piccoli dettagli che aggiungo per la trama.

pittura figurativa astratta di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “Gioventù” su tela, 48″ x 24″

L’ispirazione per il mio lavoro viene da altri artisti, natura, persone, libri per bambini, arti popolari/tribali e praticamente tutto ciò che mi circonda. La maggior parte delle volte ho visioni dei miei veri dipinti, o mi vengono in sogno.

pittura floreale astratta di Boglarka Pataki-Barothi

Acrilico “Radice” su tela, 12″ x 24″

Non faccio copie o stampe dei miei quadri, ma li tengo unici, originali e unici nel loro genere. Spero che ti piaccia il mio mondo tanto quanto me quando li creo.

L’artista Boglarka Pataki-Barothi ti invita a seguirla Facebook e Instagram.

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La superba tipografia ricamata di Jessica Dance » Design You Trust


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Incredibili opere d’arte tipografiche ricamate a mano da Jessica Dance, artista tessile e modellista con sede a Londra.

Di più: Jessica Danza, Instagram h/t: la griglia di ispirazione

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La danza utilizza tipicamente il ricamo per produrre dettagli e testo sui suoi oggetti tridimensionali, ma in questi lavori la pratica basata sul filo è al centro della scena. L’artista combina tipografia e ricamo in serie che mostrano parole e frasi nella loro forma visiva: ‘raccolto’ scritto in una cornucopia di frutta e verdura, e ‘buono come l’oro’ in filo metallico luccicante su velluto rosso glamour.

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La sua impressionante lista di clienti include marchi di alto profilo come Christian Louboutin, The Washington Post, Vogue, Google, Mulberry, Creative Review, Vanity Fair, Topshop, Marie Claire e GAP, tra gli altri.

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“Still Alive” V Triennale di Aichi


La Triennale di Aichi 2022 è a metà strada e ha attirato in totale oltre 170.000 visitatori dalla sua apertura il 30 luglio 2022. La quinta edizione di Aichi Triennale è guidata dal Direttore Artistico Kataoka Mami (Direttore, Mori Art Museum / Presidente, CIMAM), e proseguirà fino al 10 ottobre 2022. Il titolo e il tema STILL ALIVE sono stati ispirati dalla serie di artwork Sono ancora vivo dell’artista concettuale di Aichi On Kawara. Un totale di 100 artisti/gruppi provengono da 32 paesi/regioni sparsi nei cinque continenti: Asia Pacifico (Giappone 38, Sud-est asiatico 8, Oceania 8, Asia occidentale 1), Europa (17), Nord America (15), Sud America (8) e Africa (4). Più della metà degli artisti stranieri ha esposto le proprie opere per la prima volta in Giappone. Nella sezione di arte contemporanea, 49 artisti/gruppi, tra cui Anne Imhof, Theaster Gates e Delcy Morelos, sono stati incaricati di creare nuove opere per la Triennale di Aichi 2022. Mentre 55 artisti risiedono fuori dal Giappone, 27 artisti/gruppi sono riusciti a venire ad Aichi di creare le loro opere nonostante il rigido controllo delle frontiere giapponesi dovuto alla pandemia di Covid-19.

Triennale di Aichi
fino al 10 ottobre 2022



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Membranes and monsters. The new art rituals by Yuval Avital for the Reggio Parma Festival – Reggio Emilia



Yuval Avital, MembranesInstallation view, Foreign Bodies n.1, Cloisters of San Pietro Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

Reggio Emilia – Return to the earth as a primal element, skin to skin. Penetrate into ancestral memories, to descend into a darkness full of doubts, fears, sometimes violence, and then go up again, purified, establishing a different contact with oneself and with others.
In the great epic of life translated into art by the artist Yuval Avital, the search for identity takes place which, in adulthood, proceeds backwards towards the origins.
The Bestiary of the earththe great art ritual that the Israeli multimedia artist, composer and guitarist conceived as the project of the year of Reggio Parma Festival – one of the most prestigious artistic associations in Italy, which since 2001, with the support of the Ministry of Culture, has been carrying out cultural promotion activities in the Parma and Reggio Emilia area – goes on inviting the public to new appointments scheduled until December.
The Bestiary of the Earththe great choral monograph, or meta-work in many stages as the artist himself defined it, which began last June 9, interwoven with dozens of unpublished works, including sculptures, scores, installations that assist the meeting (perfectly successful ) between theater and contemporary art, continues with two new appointments that invite the two cities, Reggio Emilia and Parma, to huddle in unison with Yuval’s song punctuated by multiple languages.
The exhibition Membranesin progress until November 13, concludes the first chapter of the project The Bestiary of the Earthan unconventional investigation focused on the sense of incompleteness felt by man, a feeling that becomes a driving force to search and discover the innermost folds of the ego, in a hybridization or contamination with the animal nested in each of us.


Yuval Avital, Membrane, Installation view, Cloisters of San Pietro, Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

In Reggio Emilia, inside the Benedictine Cloisters of San Pietro, Yuval’s itinerary, curated by Marina Dacci, becomes an itinerary in seven stages in the many frescoed rooms of the historic building. On the ground floor there is a focus on painting and drawing, on the upper floor there is the project Foreign Bodies. The latter embraces a selection of photographic images of the three stages, developed from 2017 to today, in different European territories (Switzerland, Germany and now in Emilia exhibited here in preview) and a monumental multimedia installation in which moving images are accompanied from the sounds created by Yuval Avital in the long sleeve of the Cloisters.
With this determined, sometimes difficult nature, some dancers are called to measure themselves by seeking a deep contact between their body and the environment that surrounds them.


Yuval Avital, Membrane, Installation view Foreign Bodies n.3, Cloisters of San Pietro Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

To enrich and simplify the reading of Foreign bodies in one room, the charcoal drawings sketched by Avital directly on the floor, reproducing the archetypal postures that involved the performers during the different sessions. A room is instead dedicated to listening to the dancers’ interviews on the lived experience.
On the ground floor, the environment of the painting and drawing section is confronted with the important decorations of the rooms, now moving away from them, now recalling them in a different key. The visitor’s journey is thus charged, from room to room, with the energy moved by the movement of color and sign, which marries the sound vibrations emitted by the Singing tubes.

Despite the different stylistic figures and the media used, the two floors of the Cloisters of San Pietro are ideally united by the development of common lines, which simulate a path that proceeds backwards towards the origins.


Yuval Avital, Membrane, Installation view Foreign Bodies n.3, Cloisters of San Pietro Reggio Emilia, 2022 | Photo: © Andrea Mazzoni

Avital transforms the theaters of Parma and Reggio into dreamlike spaces
Putting adulthood under the lens and developing topical themes of this phase of life, Membranes anticipates the three chapters of Monstrousan extraordinary multidisciplinary event that for three weekends, between November 18 and December 11will burst into the cities of Parma and Reggio Emilia, transforming the main theaters of the two cities – the Teatro Regio di Parma, the Teatro Due in Parma, and the Teatro Valli of Fondazione I Teatri Reggio Emilia – into dreamlike exhibition spaces.
The study of the symbolism of medieval bestiaries led Avital to create a collection of twenty bestial scenes. These unprecedented settings rework traditional iconography in a contemporary key, generating a living and relational laboratory that attempts to grasp the animal nature inherent in the human one. Actors, singers, performers, dancers, puppeteers will transform the spaces of theaters, even those usually not accessible to the public, into surprising live performances.

Membranes and the three chapters of Monstrous they are added to the interpretation on the equation of man and his animality in the here and now conducted by Avital for the Reggio Parma Festival and which has its roots in the tradition of bestiaries, the typical medieval treatises that have always been an iconographic source for artists , which collect descriptions of real and fantastic animals.


The Bestiary of the Earth by Yuval Avital | Photo: © Andrea Mazzoni

The current exhibitions at the Reggio Parma Festival
Next to Membranes, which opened its doors on October 1st, the exhibitions and installations already open in various locations in the city will continue throughout the autumn. Until November 27 at the Civic Museums of Reggio Emilia you can float in the huge wunderkammer of Exquisite anatomiesan artist exhibition that investigates the anatomical and poetic bodies in dialogue with the museum collections and, in particular, with the famous Spallanzani Collection.
Six more days, until 9 October, to let oneself be enveloped in the Casa del Suono in Parma, by the magnetic Song of the Zoophore, an unprecedented icon-sound installation by Yuval Avital which, using over 200 speakers, invites the public to get lost in a metaphysical womb. If until 30 October at Palazzo Marchi, in Parma, Persona multimedia exhibition created by Parma 360 in collaboration with Reggio Parma Festival, weaves site specific dialogues with the historical collections of the building, opening a reflection on the theme of the mask and our most intimate layers, until 16 October APE Parma Museum invites to decode Animal Lexicon. Prologue. This singular exhibition, curated by Cristiano Leone, brings together photography, performance, sound, video, installation, sculpture, painting, theater in a single vision, following a possible transformation of man into animal.
Finally, the permanent work performed by Simone Ferrarini, entitled Corpse Exquisa mural eighty meters long by ten high, definitively places Avital’s hybrid and fantastic beings at the Magazzino Farmacie Comunali Riunite in Reggio Emilia.


Il Canto dello Zooforo by Yuval Avital, Icon-sound installation, Parma, Casa del Suono, 10 June-9 October as part of the Reggio Parma Festival | Photo: © Samantha De Martin for ARTE.it

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The Bestiary of the Earth by Yuval Avital: a hymn to the arts between Reggio Emilia and Parma on the edge of talent





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railroad crossing painting by Gale Suver

Dipinti di paesaggi materici di Gale Suver I Artsy Shark


Ispirandosi alla bellezza di vecchi camion ed edifici danneggiati dalle intemperie, l’artista Gale Suver usa una spatola per creare texture e movimento nei suoi dipinti. Visualizza più del suo lavoro su di lei sito web.

dipinto del ponte di Gale Suver

“Ponte a Nelsonville Yard” olio su tela, 30″ x 24″

È stato emozionante per me quando ho capito in seconda elementare, a soli 8 anni, che avevo la capacità di disegnare! Il mio insegnante ha riconosciuto che avevo un certo talento mentre aiutavo a disegnare un murale di Natale nella nostra classe. Ricordo che mi perdevo a disegnare mentre sedevo in classi che non mi interessavano. Ho fatto lo stesso mentre ero a casa quando non volevo fare i compiti.

dipinto di un fienile di Gale Suver

“Fienili di rosso” olio su tela, 11″ x 14″

Durante il liceo, ho seguito qualsiasi corso di arte disponibile. Purtroppo non sempre li ho trovati soddisfacenti. Ricordo che la mia arte era una fonte di frustrazione perché non ero abbastanza maturo per capirlo o abbastanza serio nel lavorare sodo per migliorare il mio talento.

dipinto del camion di Gale Suver

“Grill Out III” olio su tela, 24″ x 36″

Cinque mesi dopo essermi diplomato al liceo, mi sono sposato. Nel giro di due anni abbiamo fondato la nostra famiglia. Mentre crescevo le nostre quattro figlie, mi sono dilettato in creazioni di tipo furbo. Volevo migliorare e sviluppare ulteriormente la capacità creativa che ho avuto la fortuna di avere. ma poiché il mio tempo era limitato, continuavo a mettere continuamente la mia arte in secondo piano. Quando i nostri figli sono cresciuti e ho potuto ritirarmi dal lavoro come assistente medico, ho deciso che era il mio momento di fare sul serio ed esplorare il desiderio di dipingere che era sempre stato dentro di me.

dipinto di vagoni merci di Gale Suver

“Last Stop” olio su tela, 24″ x 24″

In passato, la mia arte era praticamente limitata a disegni a carboncino, pastelli e grafite. Ho sempre ammirato e sono stato attratto dalla pittura di composizioni con pennellate sciolte, mosso dal modo in cui i colori giusti insieme contrastavano tra loro per creare movimento.

dipinto di un camion di Gale Suver

“Cromo e ruggine” olio su tela, 24″ x 24″

Ho deciso di iniziare con alcune lezioni online. Questo ha stuzzicato la mia voglia di saperne di più, quindi sono passato all’insegnamento in classe. Ancora oggi, continuo a partecipare a workshop e uscite plein air. Imparo molto dagli artisti di talento con cui mi associo.

dipinto del fienile di Gale Suver

“Il bicentenario dell’Ohio” olio su tela, 11″ x 14″

Dopo un paio d’anni di pittura con i pennelli, ho scoperto la spatola. Adoro la versatilità di questo strumento! Sono diventato estremamente interessato alla pittura di vecchi veicoli, fienili alterati, attrezzature dimenticate e composizioni architettoniche uniche. Quello che ho scoperto è che la spatola consente la libertà di creare i tratti, la trama e i segni che desideravo per i miei dipinti. E dà loro una sensazione realistica e una scioltezza che avevo cercato di realizzare nel mio stile.

dipinto del camion di Gale Suver

Olio su tela “sepolto”, 20″ x 20″

Anche se uso ancora un pennello per eseguire la pittura di fondo dei miei dipinti, la spatola è stata il mio unico strumento negli ultimi sette anni. La pittura è diventata la mia passione! Distrae la mia mente da tutto il resto e ha la capacità di trasportarmi ovunque io voglia essere. Questo è stato estremamente terapeutico durante la pandemia.

dipinto di paesaggio di Gale Suver

“Occupato” olio su tela, 16″ x 20″

Trovo grande soddisfazione mentre porto a termine una composizione, tanto che non vedo l’ora di iniziarne una nuova.

dipinto del fienile di Gale Suver

“Bellville” olio su lino, 16″ x 20″

La mia attuale ispirazione è stata quella di creare su tela tutto ciò che vedo che mi dà quella sensazione immediata di “esso”. Quel “esso” è quasi sempre vecchio: più arrugginito o consumato, meglio è. Potrebbe essere un veicolo abbandonato, o un fienile che ha visto giorni migliori in mezzo a un campo erboso. O la vecchia imponente architettura di un mangimificio con imposte.

dipinto del passaggio a livello di Gale Suver

Olio su tela “Traversata ferroviaria”, 24″ x 24″

Mi rendo conto che inizialmente non tutti vedono la bellezza nelle cose che faccio. È qui che entra in gioco la sfida per me. Il mio obiettivo è creare una composizione che permetta allo spettatore di vedere quel camion arrugginito, quel fienile malconcio o quel mangimificio del passato, in un modo completamente nuovo.

L’artista Gale Suver ti invita a seguirla Instagram e Facebook.

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L’artista realizza fumetti semplici ma onesti sulla realtà delle nostre vite » Design di cui ti fidi


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Natalya Lobanova (precedentemente descritta qui e qui), fumettista e pittore con sede a Londra, crea rappresentazioni oneste della maggior parte della nostra vita quotidiana. I suoi cartoni animati intelligenti sono spesso presentati in modo semplice, simile a schizzi, ma spesso contengono commenti perspicaci sulla cultura e la società moderne, nonché su come percepiamo queste cose.

Di più: Natalia Lobanova, Instagram h/t: noirpanda

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Natalia ha rivelato a Panda annoiato che aveva più di una professione nel campo dell’arte. “Sono anche pittore, illustratore e animatore. Per me, i fumetti tendono ad essere divertenti progetti collaterali che realizzo occasionalmente. Tuttavia, sono le cose che piacciono di più alle persone, perché sono le più riconoscibili! Non c’è da meravigliarsi se le idee di Natalya sono brillanti, sa come lavorare su più di un mezzo.

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L’artista ha anche affermato che “nessuno dei miei fumetti divertenti riguarda in particolare la mia vita”, il che è sorprendente dato il numero di persone che si relazionano al suo lavoro. “Tendo a concentrarmi maggiormente sui sentimenti universali che credo tutti sperimentino, di solito di angoscia esistenziale! Evito deliberatamente di disegnare me stesso nei fumetti, motivo per cui a volte ricorro a una persona amorfa simile a un blob, poiché la vedo come una sorta di ‘anti-personaggio'”.

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59a Biennale di Venezia. Lara Fluxà “LLIM” al Catalonia di Venice_Llim


La Catalogna presenta l’Evento Collaterale Catalonia a Venice_LLIM all’interno del programma della Biennale Arte 2022, un’installazione dell’artista Lara Fluxà a cura di Oriol Fontdevila. LLIM (limo) è un organismo che impiega acqua e vetro per collocare Venezia nel suo substrato, passato e presente.
LLIM è un organismo che sposta temporaneamente l’acqua dal Canal di San Pietro utilizzando un sistema di vetro tubolare. Acqua e vetro, due materiali peculiari che hanno avuto un ruolo fondamentale nella storia della città, diventano inseparabili con questa installazione; due facce di uno stesso paesaggio, che è insieme naturale e culturale. La capacità del vetro e dell’acqua di mutare reversibilmente tra gli stati della materia li mantiene aperti alla collaborazione e ne facilita la convivenza. In questo senso, LLIM nasce da una precisa intuizione del flusso vitale: la possibilità della vita è grazie alla viscosità della materia e alla capacità collaborativa.

Acqua e vetro

Il vetro è stato descritto da Georgius Agricola come una pietra fusibile allo stesso tempo come un succo solido. Fu il primo viaggiatore a descrivere l’industria a Venezia, nel XVI secolo. Per lui il vetro si è materializzato come manifestazione di ambiguità. Lo stesso si può dire della città; è stato cullato nei secoli in un fragile equilibrio tra lo stato solido e quello liquido. Venezia emerge dai sedimenti forniti dai fiumi che sfociano in laguna, sebbene sia minacciata perennemente di scomparire nelle acque dell’Adriatico.
L’acqua ha potere fertile perché diventa limo a contatto con la terra. Dal fango nero del Nilo, la terra fertile, deriva la parola araba khemia, alchimia, che ha storicamente trovato una fonte di ispirazione nel vetro, e i suoi praticanti lo usavano per la trasmutazione dei metalli vili. LLIM non aspira, in ogni caso, all’ottenimento dell’oro né della quintessenza: muove le fondamenta di Venezia con la stessa calma che metabolizza e riporta le materie alla loro origine.

LLIM aderisce discretamente ai canali e ai tubi di vetro, collegandoli, e, attraverso la sua circolazione, assimila progressivamente gli strati che compongono il luogo. Senza saper distinguere la causa dall’effetto, o l’interno dall’esterno, a Venezia LLIM si pronuncia come una bottiglia di Klein: è una manifestazione situata del comportamento viscoso della materia.

Installazione

LLIM è costituito da un gruppo di cisterne di vetro, capsule e tubi che creano un paesaggio di forme organiche. L’acqua circola permanentemente nell’installazione, dove interagisce con olio e latte come se fosse una performance i cui protagonisti sono i materiali. Il movimento dell’acqua sarà dettato dalla forza di gravità, oltre ad essere aiutato dalle pompe dell’acqua e dalle valvole controllate da microprocessori PLC.

In questo modo un impianto di pompaggio installato sulle sponde del Canale di San Pietro estrae l’acqua. Questa pompa rifornirà continuamente di materiale proveniente dal letto del canale l’edificio che ospita la partecipazione catalana alla Biennale di Venezia. All’interno, mentre circola, l’acqua sparge resti di fango. Dopo alcuni minuti l’acqua ritorna nel flusso della rete idrica di Venezia. Gradualmente, nel periodo della Biennale, l’installazione assimilerà il sottosuolo di Venezia, che si muoverà passando attraverso i tubi di questo organismo.

in Catalogna a Venice_Llim
fino al 27 novembre 2022



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La Maddalena lying, Canova’s last masterpiece, special guest of the great exhibition in Bassano dedicated to the master – Vicenza


Divine. Thus the Irish writer and poet Thomas Moore had defined the Magdalene lying by Antonio Canova, while the artist himself told of how the work had earned him “many indulgences, and very flattering praise”.
The ecstatic gaze, the head leaning back, a tear streaking her face, the rediscovered Magdalene, considered for two centuries the lost masterpiece of the sculptor, re-emerged from the mists of time as the protagonist of a fable of art that he has seen wandering for a long time in an intricate realm of auctions and collections, he is now preparing to cross the Channel to reach Bassano del Grappa.
The last masterpiece of the genius of Possagno, created shortly before his death for Robert Jenckins, second Earl of Liverpool and British Prime Minister, will be exhibited for the first time in an exhibition after 170 yearsguest of honor of the itinerary “Me, Canova. European genius, expected from 15 October to 26 February at the Civic Museum of Bassano del Grappa.
The exhibition, which marks a crucial moment in the official celebrations for the 200th anniversary of his death, the organizers assure, will go “beyond” Canova’s aesthetic universe, returning an original image of the great sculptor, but also of man, of the collector, of the diplomat and patron of the arts.


Antonio Canova, Sleeping Endymion, 1819-1822, plaster and wooden base. Ravenna, Academy of Fine Arts

A key figure in an era marked by great historical and political upheavals that changed the face of Europe, Canova really taught the world hope in the future by bringing man closer to myth, inspiring, with the delicacy of his kind faces, feelings of harmony and peace.

But the Magdalene lying will not be the only precious presence in this long-awaited journey among the over 140 works, curated by Giuseppe Pavanello and Mario Guderzo, with the scientific direction of Barbara Guidi, organized by the Civic Museums of Bassano del Grappa in collaboration with Villaggio Globale International, the patronage and contribution of the “National Committee for the celebrations of the bicentenary of the death of Antonio Canova”.

An evocative story will combine the rich artistic and documentary heritage of Canova present in Bassano with masterpieces such as the marble of Princess Leopoldina Esterhazy Liechtensteinthe large plaster of the Religion of the Vatican Museums, the grandiose Mars and Venus from the Gypsotheca of Possagno, and again theSleeping endymion from the Academy of Fine Arts of Ravenna or the Dancer with her finger to her chin of the Pinacoteca Agnelli, just to name a few.


Antonio Canova, Notes on the journey to England, around 1815, Bassano del Grappa, Civic Library

These will be joined by the works that will allow us to reconstruct the context in which Canova lived, from Portrait of Senator Abbondio Rezzonico by Batoni, to works such as the Deposition by Paolo Veronese, Luck by Guido Reni, works that the sculptor himself brought back to Italy in 1815 thanks to a courageous diplomatic mission.
The route will help the public to reconstruct some important commissions, such as the Damossenus And Creugant, the funerary monument for Horace Nelson and that for Pope Clement XIII, the equestrian monument to Ferdinand IV of Bourbon and that for Napoleon. But he will also tell about the relationships with popes, nobles and patrons, evoking the relationships that Canova had with artists and writers of his time, from Angelika Kauffmann to Anton Raphael Mengs.


Paolo Caliari known as Paolo Veronese, Deposition of Christ, c. 1546-1549, Oil on canvas, 119 x 76 cm, Verona, Castelvecchio Museum

Signed by Studio Antonio Ravalli Architects as part of a larger redevelopment project for the entire Civic Museum of Bassano, the itinerary will unfold in three chapters: The man and the artist, Canova and Europe, Canova in History.

The great absentees on this journey – which promises to be rigorous but compelling, thanks also to the generosity and trust of many museums, institutions and collectors who have lent works of great delicacy, some of which have never been exhibited before in Italy – will instead be some famous marbles, officially on loan from the State Hermitage Museum in St. Petersburg, and then the Peace from the National Museum of Kiev, a splendid allegory in marble, of a shocking topicality. At the outbreak of the Russian-Ukrainian conflict, the renunciation of these loans was inevitable and convinced.
The hope is that the works of Canova, a man and diplomat of peace, may one day meet again from Russia and Ukraine, as a testimony to renewed times of serenity and dialogue.

Read also:
• The other face of Canova, the European genius who taught the world about hope





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L’elenco completo dei medici convenienti in America » Design You Trust


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