L’educatrice di Art21 Dana Helwick nella sua classe attuale, 2018. Immagine fornita dall’autore.

io è stato introdotto per la prima volta all’idea di insegnare con l’arte e gli artisti contemporanei nel programma di laurea Art + Education presso la New York University, che “immagina uno spazio radicale in cui l’arte contemporanea e l’educazione alla giustizia sociale si incontrano”.¹ Mentre ero a scuola, ho aiutato a coordinare il Art21 Educatori programma, condotto da Jesse Hamlin e Joe Fusario. Da allora, ho insegnato in una varietà di contesti scolastici ed educativi a New York City, utilizzando artisti contemporanei come modelli creativi per artisti di tutte le età e abilità. Una delle cose per cui mi sforzo nel mio curriculum è promuovere un senso di gioco con uno scopo. Il mio obiettivo è fornire agli studenti esperienze che li sfideranno a risolvere problemi, stabilire relazioni e imparare a pensare in modo critico oltre che creativo.

Insegnare con i temi dell’arte contemporanea e degli artisti mi ha permesso di mostrare agli studenti nuovi modi di essere creativi sia con i materiali che con gli approcci. Esempi di artisti contemporanei forniscono anche informazioni sul processo creativo, che si estende oltre l’artigianato e l’indagine e l’esplorazione. A differenza di molti artisti tradizionali rappresentati nel corso della storia dell’arte, gli artisti contemporanei riflettono una più ampia diversità di esperienze, in termini di razza, genere, background, convinzioni e orientamento sessuale, ed è importante che gli studenti vedano quel tipo di diversità rappresentata nei modelli di ruolo che insegniamo in qualsiasi area disciplinare, non solo nelle arti.

Opere d’arte degli studenti dell’organizzazione no profit con sede nel Bronx, 2013. Immagine fornita dall’autore.

Nel mio primo anno dopo la scuola di specializzazione, ho lavorato come artista insegnante con un’organizzazione senza scopo di lucro nel Bronx, dove ho insegnato sia agli studenti delle scuole elementari che a quelli delle scuole superiori. Tuttavia, non ero un membro integrato della scuola o della comunità circostante, e molti dei miei studenti non avevano mai frequentato un corso d’arte prima. In questo contesto, insegnare arte utilizzando artisti contemporanei come modelli di ruolo creativi significava iniziare con attività strutturate e di formazione e guardare ad artisti come Laylah Ali, Cindy Sherman, Kehinde Wiley e Chuck Close, artisti il ​​cui lavoro ha soddisfatto le aspettative degli studenti secondo cui l’arte è rappresentativa e basata sul disegno, la pittura e la fotografia. In passato, molti dei miei studenti potrebbero non essersi sentiti i benvenuti, invitati o in grado di guardare, capire o fare arte. Soddisfare alcune delle loro aspettative sull’arte, aiutandoli allo stesso tempo a sviluppare nuove capacità artistiche, ha creato una base di fiducia, che ha reso più accessibile l’osservazione e la realizzazione dell’arte. Costruire quella fiducia ci ha permesso di andare oltre gli aspetti tecnici del fare arte e nelle domande e nelle idee che questi artisti esplorano nel loro lavoro: temi come identità, razza, genere e narrazione, temi con cui i miei studenti potrebbero facilmente identificarsi. Questo alla fine ha aperto la strada a esplorazioni più aperte di materiali e discussioni sulle possibilità di ciò che l’arte potrebbe essere, che includeva l’osservazione di diversi tipi di artisti come Oliver Herringil cui lavoro implica performance e partecipazione del pubblico.

Oliver Herring e un partecipante della sua festa pubblica, Compito2014. Produzione ancora dal Gioco esteso episodio, Oliver Herring: Compito. © Arte21, Inc. 2014.

I partecipanti al Compito party organizzato da Oliver Herring, 2014. Produzione ancora dal Gioco esteso episodio, Oliver Herring: Compito. © Arte21, Inc. 2014.

Nei miei prossimi anni di insegnamento, ho lavorato in una piccola scuola privata di istruzione speciale nel centro di Manhattan, al servizio degli studenti delle classi K-7. Le mie classi erano piccole e co-insegnate con un altro insegnante d’arte. Il mio studio in classe era spazioso e completamente fornito di materiali artistici e i miei studenti avevano una varietà di difficoltà di apprendimento in lettura, scrittura e matematica, oltre a sfide di attenzione, sensoriali e sociali. Ancora una volta, in questo contesto, insegnare con i temi degli artisti contemporanei mi ha permesso di introdurre gli studenti alle possibilità di ciò che l’arte potrebbe essere, oltre le loro aspettative di disegno e pittura. Allo stesso tempo, ero particolarmente interessato a creare esperienze con l’arte e gli artisti che avrebbero fornito ai miei studenti l’opportunità di comprendere meglio le capacità di apprendimento socio-emotivo. La Collaborative for Academic, Social, and Emotional Learning (CASEL) definisce l’apprendimento sociale ed emotivo (SEL) come “il processo attraverso il quale bambini e adulti comprendono e gestiscono le emozioni, fissano e raggiungono obiettivi positivi, provano e mostrano empatia per gli altri, stabiliscono e mantenere relazioni positive e prendere decisioni responsabili.”² Per molti dei miei studenti, le relazioni sociali e la regolazione emotiva erano sfide, quindi ho cercato di concentrarmi su abilità come cooperazione, empatia e compromesso nel mio curriculum.

Jamie Warren e Matt Roche sul set di una performance di Uffa Dee Doo!all’Abrons Art Center, 2015. Produzione ancora dal Primo piano di New York episodio, Benvenuti a Uffa Dee Doo! (con Matt Roche e anche Jaimie Warren). © Arte21, Inc. 2015.

Molti artisti contemporanei lavorano in collaborazione con altri, e le coppie di artisti amano Jamie Warren e Matt Roche sono diventati modelli entusiasmanti per l’apprendimento socio-emotivo nel mio curriculum. Uffa Dee Doo! è uno spettacolo di varietà adatto ai bambini e un’esperienza di performance artistica guidata da Warren e Roche. Lavorano insieme a gruppi comunitari, culturali e studenteschi per pianificare un tema per i loro spettacoli e trasformano uno spazio in un ambiente coinvolgente per la performance finale. Dopo la proiezione del film Art21 Benvenuti a Whoop Dee Doo! (con Matt Roche e anche Jaimie Warren) in classe, ho assegnato ogni livello scolastico a uno spazio diverso nell’aula artistica, che erano responsabili della trasformazione come squadra. Gli studenti hanno iniziato facendo brainstorming e disegnando le loro idee su ciò che volevano vedere nello spazio. Poi hanno presentato le loro idee e hanno dovuto lavorare insieme per elaborare un piano che funzionasse per l’intera classe. Alcune classi sono state in grado di scendere a compromessi e lavorare sullo stesso tema (come un mondo sottomarino o un centro commerciale) mentre altre hanno dovuto trovare modi creativi per combinare idee apparentemente disparate (come mostri, alieni, calcio, Illuminati e Halloween). Il risultato finale è stato un’installazione collaborativa in classe in cui gli studenti si sono sentiti potenziati vedendo se stessi, le loro idee e le loro opere d’arte rappresentate nello spazio fisico.

Installazione degli studenti, 2017. Immagine fornita dall’autore.

Ora insegno in una grande scuola charter K–5 nel Queens che promuove i valori progressivi dell’istruzione, compresa l’enfasi sulla sostenibilità ambientale, l’apprendimento esperienziale e la giustizia sociale. È una scuola di inclusione che colloca gli studenti con disabilità in aule di istruzione generale, per imparare insieme ai loro coetanei neurotipici. Inoltre, la nostra popolazione studentesca parla quarantadue lingue diverse con le loro famiglie a casa, e abbiamo un certo numero di studenti che stanno imparando l’inglese come nuova lingua a scuola. In tale contesto, insegnare con i temi degli artisti contemporanei significa che posso includere artisti nel mio curriculum che non solo assomigliano ai miei studenti, ma hanno anche esperienze di vita e background culturali che riflettono quelli della mia comunità studentesca. Ad esempio, il pittore e scultore giapponese, Yayoi Kusama, con il suo uso ossessivo di punti colorati, ha ispirato i miei studenti a considerare il fare artistico come un atto consapevole e un modo per creare spazi sicuri a scuola. Un altro esempio è l’artista di performance con sede a Chicago Nick Cave, che ha creato le sue sculture stravaganti, note come “tute sonore”, come mezzo di protezione contro le sue esperienze di razzismo come uomo di colore in America. Mostrando ai miei studenti un’ampia gamma di artisti in termini sia di mezzi che di demografia, spero di combattere le nozioni tradizionali di chi diventa un artista e di esplorare cosa significa essere un artista. Il cambiamento delle grandi narrazioni culturali sulla diversità può iniziare in classe se possiamo consentire ai giovani studenti di immaginare un futuro diverso per se stessi.

Interpretazione studentesca collettiva dell’opera di Yayoi Kusama, 2018. Immagine fornita dall’autore.

Insegnando con le materie di artisti contemporanei, in particolare con studenti di età elementare e neuro-diversi, voglio continuare a superare le aspettative dei miei studenti su cosa sia l’arte, cosa possa essere l’arte e chi diventa un artista. Voglio che i miei studenti si divertano e lavorino insieme come gli artisti dietro Uffa Dee Doo!, sperimentare nuovi materiali come Nick Cave e praticare la consapevolezza come Yayoi Kusama. Questi artisti hanno la capacità di mostrare agli studenti non solo come creare, ma anche come comunicare idee e pensare in modi nuovi e diversi. Chiunque può imparare a diventare un abile artigiano, ma fare arte significativa incoraggia gli studenti a pensare in modo critico e creativo a se stessi e al mondo che li circonda.

¹ Arte + istruzione, programmi e lauree, NYU Steinhardt, https://steinhardt.nyu.edu/programs/art-education.

² “Cos’è SEL?” Collaborazione per l’apprendimento accademico, sociale ed emotivo, https://casel.org/cosa-è-sel/.