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dalle blogger ospiti Catherine Kirkland e Catharine Deever

Sia le opere d’arte realizzate in modo tradizionale che quelle create digitalmente offrono vantaggi ad artisti e collezionisti.

Tecnica mista “Organic Complexity” su tela, 24″ x 24″ di Catherine Kirkland

Quando si acquista un’opera d’arte per migliorare uno spazio di vita o di lavoro, ci sono molte scelte. Uno di questi è l’arte tradizionale: opere originali create a mano con materiali convenzionali come vernice e pennello. Un’altra opzione che sta guadagnando popolarità è l’opera d’arte creata digitalmente, realizzata esclusivamente con software su un computer o un altro dispositivo. In che modo il collezionista determina se uno è un valore migliore o una creazione migliore dell’altro?

La prima considerazione è se l’opera d’arte si connette con il collezionista a livello visivo o emotivo. Indipendentemente da come è stato prodotto, questo è l’aspetto più importante. Dopo aver deciso che l’opera è interessante, il collezionista potrebbe essere curioso di saperne di più sul processo di creazione.

Metodo tradizionale

Se il collezionista prende in considerazione un dipinto divisionista a tema spaziale dell’artista Catherine Kirkland, vedrà un’opera creata con pittura acrilica su tela che ha richiesto mesi per essere completata.

I complessi dipinti su larga scala di Kirkland iniziano preparando una tela con gesso. Quindi disegna il disegno, sulla base di uno schizzo o di una fotografia spaziale, sulla tela con una matita. Gli strati di colore aggiunti usando i pennelli formano la pittura di fondo. Dopo che la verniciatura è stata completata, Kirkland applica individualmente punti dipinti con tasselli o altri strumenti per creare dettagli, movimento e profondità. Il dipinto finito è un originale unico nel suo genere, vibrante e riccamente strutturato, con riflessi metallici che non sono realizzabili digitalmente.

Kirkland usa uno spiedino di bambù per creare punti in un dipinto puntinista.

Kirkland lavora con strumenti convenzionali come spazzole e coltelli da pittura, oltre a strumenti non convenzionali come tasselli, spiedini, forchette e cucchiai. Si avvale anche di un servizio di imaging professionale per creare immagini digitali ad alta risoluzione dei suoi dipinti finiti. In qualità di artista, conserva i diritti su tutte le riproduzioni di questi file immagine. Può quindi concedere in licenza quelle immagini ad altri. Oppure potrebbe usarli per creare prodotti come stampe d’archivio e prodotti di consumo personalizzati, nonché animazioni da visualizzare sugli schermi aziendali.

Metodo digitale

In confronto, un collezionista potrebbe prendere in considerazione l’acquisto di un’opera d’arte creata digitalmente. Possono nutrire l’idea sbagliata che sia stato creato esclusivamente da un software, senza l’occhio e la creatività di un artista ai controlli. Questo ovviamente non è il caso. La creazione di arte digitale è un processo complesso, guidato dall’artista e pratico. Richiede competenza con il software e una conoscenza pratica di dispositivi come tablet e stilo al posto di pittura e tela.

L’artista digitale Catharine Deever attribuisce il merito all’uso della tecnologia avanzata e degli strumenti digitali emergenti per servire meglio i suoi clienti. Questo offre velocità, facilità e la comodità della tecnologia. È in grado di sincronizzare la visione e le esigenze dei suoi clienti con la creazione dell’opera d’arte finale.

pittura digitale "'sventola contro la scogliera"

Pittura digitale “Waves Against the Cliff” di Catharine Deever

La creazione di un’opera d’arte digitale unica o parte di un’edizione limitata richiede strumenti diversi. Le immagini digitali di Deever si basano su fotografie che lei o un talentuoso fotografo di famiglia hanno scattato. Li carica sia in Adobe Photoshop che in Corel Painter. Quindi manipola le linee in Photoshop e sperimenta il colore utilizzando Corel Painter.

Utilizzando entrambi gli strumenti software, regola l’opacità e la saturazione del colore, quindi affina le sfumature, integra/fonde i livelli e focalizza la luce. Decine di versioni vengono create prima del completamento del lavoro finale.

Ritaglia l’immagine, satura il colore e altera le dimensioni digitali. Tali determinazioni si fondano sulla finalità dell’art. Può essere pubblicato come prodotto per il mercato di massa o integrato in un prodotto di consumo come abbigliamento, biancheria da letto, prodotti tecnologici, valigie, ecc. Oppure può essere venduto come un’unica opera d’arte murale, firmata dall’artista.

Gli strumenti digitali consentono ai clienti di visualizzare rapidamente le bozze. Consente loro di fornire feedback in modo più specifico, indipendentemente dalla loro posizione geografica. Lo spazio in cui verrà collocata l’opera d’arte è facilmente negoziabile, con minori costi e maggiore facilità.

Pittura digitale “Autumn Bridge” di Catharine Deever

Qual è la differenza per il cliente?

Indipendentemente da come viene creata un’immagine, gli elementi ei principi dell’arte si applicano sia alle opere digitali che a quelle convenzionali. Colore, composizione, scala, ritmo, consistenza e contrasto sono importanti per creare un’opera d’arte di qualità. Un artista esperto, digitale o tradizionale, comprenderà questi elementi estetici e li incorporerà.

Kirkland crede che gli artisti tradizionali offrano ai clienti l’opportunità di possedere un’unica opera d’arte strutturata, tangibile, creata dalla mano di un artista. Il collezionista sa che non ci sono altri pezzi identici e può essere orgoglioso di possedere un’opera unica.

Deever è grata per gli strumenti digitali che offrono ai suoi clienti una più ampia selezione di meraviglie visive e gioia nei loro spazi personali e lavorativi. I suoi strumenti consentono a lei, ai media, alle istituzioni e alle comunità non solo di vedere e lavorare fuori dagli schemi, ma li libera completamente dagli schemi.

Sia Kirkland che Deever credono che gli artisti dovrebbero usare gli strumenti che funzionano meglio per loro e che i clienti dovrebbero riempire i loro ambienti con quelle immagini che li ispirano meglio.

L’arte digitale è migliore dell’arte creata tradizionalmente? La risposta soggettiva a questa domanda è negli occhi di chi guarda e del collezionista.

Riguardo agli Autori:

Durante la sua carriera creativa come art director, graphic designer e production manager, Caterina Kirkland ha abbracciato e superato la transizione da progetti grafici e materiali di stampa prodotti in modo convenzionale alla computer grafica, produzione e distribuzione. È conosciuta a livello regionale come una pittrice puntinista che crea opere ispirate allo spazio in acrilico su tela.

Dopo una carriera di successo nell’amministrazione, istruzione e advocacy, artista digitale Caterina Deever ha perseguito la sua passione. Crea paesaggi e composizioni astratte modificando e manipolando la fotografia digitale.

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Un esperto del mercato dell’arte digitale discute le opzioni, le sfide e il futuro delle vendite.

Carly headshot: Carly Rector, fondatore e capo architetto di CO2ign Art

Carly Rettore, fondatore di CO2ign artingegnere del software e mecenate di lunga data dell’arte digitale, ha parlato con noi dello stato del mercato per gli artisti che lavorano con i media digitali e dell’evoluzione di questo canale di vendita.

AS: Come definiresti l’arte digitale?

CR: L’arte digitale è qualsiasi arte creata con un computer piuttosto che con i tradizionali supporti fisici. Ciò copre una gamma molto ampia, dal disegno e pittura digitale in cui stai replicando inchiostro e pittura utilizzando una tavoletta e uno stilo, a mezzi esclusivamente digitali come la modellazione 3D e l’animazione, fino all’arte generata interamente da un algoritmo o intelligenza artificiale.

Ultimamente c’è stata molta attenzione su NFT e AI art. Ma penso sia importante ricordare che l’arte digitale esiste da quasi quanto i computer. Il più delle volte c’è un essere umano che lavora in gran parte allo stesso modo in cui gli artisti fanno con i pezzi tradizionali. Stanno ancora creando l’arte; hanno solo il vantaggio di livelli, filtri e un pulsante Annulla. Non c’è meno creatività lì, è semplicemente un mezzo diverso.

Schermata del sito Web: home page di CO2ign Art,. Grafica per gentile concessione di trash_panda_chils

AS: Quali canali ci sono per vendere arte digitale?

CR: Dipende da cosa intendi per “vendere arte digitale”. Arte digitale è fondamentalmente diverso dall’arte fisica. Non c’è un unico pezzo unico creato che l’artista possa trasferire a qualcun altro. Quando dai a qualcuno un file digitale, hai ancora il file. Entrambi potete continuare a condividerlo con tutte le persone che volete. A livello tecnico, su internet non c’è distinzione tra vedendo un’immagine e avendo l’immagine. Quindi, devi ridefinire cosa esattamente stai vendendo. Ci sono una serie di opzioni.

Puoi vendere accesso all’art – gli acquirenti pagano per vedere l’arte o per accedere a una versione completa o di qualità superiore. Le persone potrebbero acquistare un fumetto o un download ad alta risoluzione. Etsy e Gumroad sono modi comuni per gli artisti indipendenti di farlo.

Puoi vendere copie fisiche dell’art – stampandolo tu stesso o tramite i mercati di stampa su richiesta. Questo può includere mettere la tua arte su merce come custodie per telefoni e magliette. Stazione artistica vende stampe, per esempio, e Bolla rossa è popolare sul lato del merchandising.

Puoi vendere il creazione di nuova arte – lavoro commissionato in base alle specifiche del cliente. Questo può essere fatto tramite mercati freelance come Fiverr. Le commissioni vengono spesso offerte anche sui social media dove gli artisti hanno già dei seguaci.

Puoi vendere NFT d’arte, che sono token blockchain che funzionano come un “atto” per l’art. Le NFT rappresentano la proprietà in modo decentralizzato piuttosto che fare affidamento su un’unica autorità. Mare aperto è il più grande mercato NFT.

Finalmente, c’è una nuova opzione sulla mia piattaforma, CO2ign art. Puoi vendere copie digitali dell’art che aiutano a combattere il cambiamento climatico. Ogni copia ha una firma digitale verificabile nei metadati del file. L’immagine è ancora copiabile, ma la firma è una “prova d’acquisto” che identifica un singolo acquirente e uno specifico CO₂ progetto di riduzione finanziato dal loro acquisto.

In tutte queste opzioni, l’acquisto può conferire o meno anche i diritti legali di utilizzo dell’art. Dipende dalle condizioni di vendita.

AS: Che ne dici di altre opzioni per fare soldi con l’arte digitale?

CR: Puoi anche ottenere entrate da patrocinio o donazione. Gli artisti usano spesso piattaforme come Patreon o Ko-fi dove le persone si iscrivono a un abbonamento mensile per supportare la tua arte. Questo tipo di sistema richiama il vecchio “patrono delle arti” in cui le persone facoltose finanzievano gli artisti per fare il loro lavoro senza necessariamente trarne direttamente qualcosa.

In pratica, gli artisti digitali spesso offrono uno o più dei precedenti nei loro livelli Patreon, e anche “bonus” come l’interazione con l’artista, una comunità che moderano, contenuti “dietro le quinte” e così via.

Come funziona CO2ign Art: come funziona: il processo di CO2ign Art per pubblicare e vendere opere d’arte

AS: Quali sono alcune delle barriere che gli artisti digitali devono affrontare quando vendono il loro lavoro?

CR: Vendere l’accesso all’arte è difficile perché è così facile accedere ai contenuti online. È uno sfortunato conflitto. Il grande vantaggio di Internet e dell’arte digitale è che è facile raggiungere un vasto pubblico. In generale, gli artisti si divertono quando molte persone vedono e apprezzano il loro lavoro. Anche gli artisti (ragionevolmente) vogliono che il loro lavoro sia adeguatamente accreditato e pagato per questo. Tuttavia, se la tua arte è dietro un paywall, devi convincere le persone che vale la pena pagare per vederla. Ciò attirerà un pubblico molto più ristretto e devi controllare continuamente il web per assicurarti che nessuno lo renda disponibile gratuitamente. È una corsa agli armamenti di filigrane, script per cercare di interrompere il salvataggio del clic con il pulsante destro del mouse e così via. Sarà sempre una battaglia in salita che cerca di forzare la scarsità su un mezzo che fondamentalmente non funziona in quel modo.

Alcune delle altre opzioni ti consentono di condividere il lavoro liberamente, ma hanno problemi che possono rendere difficile fare soldi veri. Le stampe e il merchandising fisico sono popolari, ma vendono a prezzi bassi poiché si sentono come merci intercambiabili. Hanno margini ancora più bassi per gli artisti dopo i costi di produzione e spedizione. Le commissioni richiedono molto tempo e coordinamento con il cliente e sono difficili da eseguire ad alto volume. Patreon richiede fan molto impegnati e spesso molto lavoro “bonus”.

La visione ideale sia degli NFT che della mia piattaforma, CO2ign Art, è vendere la tua arte in modo veramente digitale senza doverne limitare l’accesso. Ciò richiede concentrarsi su un diverso tipo di valore. Questo non è inaudito. Ad esempio, nel mondo fisico le stampe firmate sono valutate più di quelle prodotte in serie perché le persone apprezzano la quantità limitata e il tocco personale dell’artista. Nel caso degli NFT, il valore è il token unico che rappresenta la tua proprietà sulla blockchain e il consenso collettivo dietro la sua autenticità. Nel caso di CO2ign Art, il valore è sostenere l’artista e combattere il cambiamento climatico. Questo è verificabile tramite firme digitali.

AS: In questo momento, gli artisti che elencano le NFT possono aspettarsi di vendere il loro lavoro? Chi vende?

CR: In particolare, le NFT artistiche sono state la categoria delle NFT più resiliente di fronte all’attuale crollo delle criptovalute, il che dimostra che hanno un valore duraturo. Alcuni artisti hanno avuto molto successo nella vendita di NFT. Ci sono persone che credono profondamente in loro come la via del futuro.

Tuttavia, non credo che gli artisti dovrebbero aspettarsi di coniare un NFT e vederlo vendere. Statisticamente, la maggior parte degli NFT non vendee molti altri vendono solo una volta. Lo spazio NFT è molto guidato dal clamore della comunità e dall’aspettativa di ritorni futuri. I progetti NFT che vendono di più sono quelli in cui l’artista ha già un pubblico devoto, o in cui sono in grado di formare una comunità convinti di essere la prossima grande novità. Le collezioni con poche migliaia di varianti sullo stesso tema di base tendono anche a vendere più dei pezzi unici, perché è molto più facile costruire una comunità attorno a questi, e quindi avere un mercato secondario.

Personalmente, penso che gli NFT si stabiliranno per essere più utilizzati dove sono più utili, che è per il tipo di arte in cui l’autenticità e la provenienza sono molto importanti. Si tratterebbe di pezzi di alto profilo o oggetti da collezione che vengono scambiati frequentemente. La maggior parte dell’arte non rientra in quella categoria nemmeno nel mondo dell’arte tradizionale, ed è raro che un pezzo venga venduto più di una volta. Ciò non significa che l’altra arte non abbia valore; chiaramente la gente compra arte anche quando non è un Picasso autentico o una trading card. Semplicemente non è lo stesso tipo di valore.

illustrazione di un gatto in una finestra

Illustrazione di Rita Vigovszky: “Connection” di Rita Vigovszky (disponibile su CO2ign Art)

AS: Con il furto e la violazione un problema comune, le cose sono difficili per gli artisti digitali. Quali sono le prospettive per il futuro?

CR: Siamo davvero a un punto di svolta per l’arte digitale in molti modi. L’arte si muove sempre più online. Le persone che sono cresciute facendo arte sul proprio iPad ora sono degli adulti che creano opere straordinarie. C’è un accesso senza precedenti a riferimenti e tutorial online e ogni giorno escono nuovi strumenti che consentono agli artisti di fare cose che prima sarebbero state ardue o impossibili. Un singolo artista con un budget modesto ora può realizzare animazioni impressionanti o truccare un modello 3D per rispecchiare le proprie espressioni facciali. Le persone possono dipingere in live streaming e farsi guardare da migliaia di persone. Ci sono mezzi completamente nuovi che stanno nascendo.

Allo stesso tempo, ci sono sicuramente lotte. La facilità di accesso all’arte online ha portato a molti furti e violazioni del copyright e molte polemiche su ciò che conta come furto e violazione del copyright. Le persone che realizzano questa straordinaria arte spesso non ci guadagnano e si vedono rubare il loro lavoro creativo.

Tuttavia, c’è anche una quantità crescente di attenzione su queste cose e quindi molte persone cercano di affrontarle. Ci sono nuovi modi per valorizzare il lavoro svolto dagli artisti, come Patreon, NFT o CO2ign Art. Ci sono modi per identificare la violazione o tenere traccia di chi ha creato qualcosa, ad esempio DeviantArt Protect o il Iniziativa sull’autenticità dei contenuti.

Sono sicuro che questi sforzi continueranno. In definitiva, gli artisti digitali sono artisti. Ci sono abbastanza persone che credono nel valore del lavoro creativo che gli artisti fanno che le opportunità continueranno a migliorare per gli artisti digitali in futuro.

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