painted batik shawl

Artista in primo piano Heather Cohen | Squalo artistico


L’artista tessile Heather Cohen utilizza diverse tecniche pittoriche per creare opere d’arte indossabili dai motivi audaci e colorati. Scopri di più della sua collezione visitandola sito web.

scialle dipinto a mano con batik e shibori

Silk Patchwork Shibori & Batik Wrap, fibra indossabile dipinta a mano

Sono un designer tessile e artista con oltre quattro decenni di esperienza nel design, attualmente residente nella Carolina del Nord.

Giacca in lino dipinta a mano

Giacca in lino, fibra indossabile dipinta a mano

Sono originario di una piccola città chiamata Bulawayo nello Zimbabwe. Fin dalla tenera età sono stato influenzato da mia zia, una nota artista di batik e vetrate. Ho trascorso molte ore nel suo studio imparando il design e le diverse tecniche utilizzate nella pittura su tessuto. Fu durante quel periodo che mia zia riconobbe la mia abilità per quanto riguarda la comprensione del colore e del design.

scialle dipinto a mano batik

Blu Mobius Batik, fibra indossabile dipinta a mano

Crescere in Africa ha avuto e continua ad avere una forte influenza sulle mie tavolozze di colori e concetti di moda.

scialle triangolare fantasia dipinto a mano

Scialle Triangolare Patchwork con Bordo Burnout, fibra indossabile dipinta a mano

Dopo aver conseguito una laurea in Belle Arti con specializzazione in Textile Design e Teoria del colore presso il Ruth Prowse College of Art di Città del Capo, in Sud Africa, ho iniziato la mia carriera come stilista e designer presso una rinomata azienda di tessuti nel sud della California. Parte del mio lavoro consisteva nel viaggiare in Europa per la ricerca e lo sviluppo del design. Ho assistito alla creazione di stampe di tessuti e tipi di tessuto alla moda.

Shibori ha dipinto arte indossabile

Shibori Cotton-Flannel Cape, fibra indossabile dipinta a mano

Dopo sei anni di lavoro per loro, ho deciso che volevo diventare un artista freelance, progettando per molte aziende diverse. Alla fine, ho deciso di sviluppare la mia linea di abbigliamento dipinto a mano. Tramite sette rappresentanti di moda nazionali, la mia linea di abbigliamento è stata venduta alle boutique di tutto il paese.

scialle batik dipinto

Scialle batik tribale, fibra indossabile dipinta a mano

Dopo un decennio, io e mio marito abbiamo deciso di andare in una direzione diversa. Volevamo vendere direttamente al pubblico attraverso mostre d’arte su e giù per la costa orientale. Lo facciamo da 25 anni.

sciarpa batik

Sciarpa Batik Infinity, fibra indossabile dipinta a mano

Comincio creando e disegnando le mie linee di abbigliamento utilizzando solo tessuti naturali e organici, ad esempio seta, lino e garza di cotone. Questi tessuti sono spazi vuoti bianchi su cui dipingo a mano utilizzando una varietà di tecniche. Includono batik, shibori e applicazioni ad acquerello a mano libera.

scialle batik dipinto a mano da Heather Cohen

Scroll Batik Scialle, fibra indossabile dipinta a mano

Tutte le mie creazioni sono uniche e uniche nel loro genere. Non ce ne sono due esattamente uguali. I miei disegni continuano a riflettere l’influenza di crescere in Africa circondati da splendidi colori e audaci motivi tribali africani.

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Oil painting of flowers by artist Claire Vines

Artista in primo piano Claire Vines | Squalo artistico


La pittrice ad olio Claire Vines presenta una selezione di opere d’arte che riflettono l’esperienza di vita e la cultura. Trova più del suo portfolio su di lei sito web.

Dipinto ad olio di fiori dell'artista Claire Vines

“Fiori” olio su tela, 12×16

Sono nato a Nizza, in Francia. Da bambino, quando sono immigrato negli Stati Uniti, non potevo parlare la lingua inglese, solo il francese. È stato allora che ho scoperto la mia passione per l’espressione del mio mondo emotivo interiore attraverso la creatività artistica, un modo per compensare la barriera linguistica che mi impediva di esprimere le mie emozioni con le parole.

Dipinto ad olio di una casa

“Casa” dipinto ad olio su tela, 20″ x 24″

Sebbene fossi scoraggiato dal perseguire la mia passione e le mie intuizioni artistiche, ho comunque continuato a disegnare e dipingere in privato.

Dipinto di una ragazza che si lava i capelli

“Ragazza che si lava i capelli” olio su tela, 30″ x 40″

All’età di 16 anni, lo stesso giorno in cui completai il mio primo dipinto ad olio su tela, partorii mio figlio. L’ho cresciuto, ho lavorato e ho studiato. Ho conseguito un dottorato in psicologia clinica e ho sviluppato uno studio indipendente specializzato in traumi e guarigione emotiva. Soprattutto, non ho mai smesso di dipingere.

Dipinto di una donna anziana

“Vecchia donna in modalità sopravvivenza” olio su tela, 36″ x 24″

Collegando la mia passione artistica con la mia professione, continuo a sviluppare il mio interesse per l’Arte della Psicologia e la Psicologia dell’Arte, dove esploro la mia passione per le emozioni umane attraverso l’esteriorizzazione dell’espressione creativa in un modo sempre più profondo.

dipinto di due ragazzi durante lo Shabbat

“Tradizione dello Shabbat” olio su tela, 24″ x 36″

Credo che l’espressione artistica sia una forma di conversazione visiva tra se stessi, rivelando la propria emozione interiore nel processo. Essere consapevoli di questo può migliorare il benessere di un individuo a qualsiasi età.

Dipinto di Barcellona, ​​Spagna di Claire Vines

“Barcellona” olio su tela, 48″ x 30″

Durante i miei viaggi di vita ho imparato che l’espressione artistica è sia centrata sulla persona che multiculturale. Questa consapevolezza porta alla diversità culturale artistica, un dono universale per tutte le persone da abbracciare e celebrare.

Dipinto della costa di Marsiglia

“Marsiglia” olio su tela, 40″ x 30″

Gran parte delle mie opere rappresenta il viaggio della mia vita. Ad esempio, il mio dipinto “Marsiglia” raffigura il luogo in cui ho trascorso gran parte della mia infanzia. Allo stesso modo, i dipinti che presentano immagini religiose sono riflessi dei background culturali e religiosi che hanno plasmato in modo significativo chi sono.

Dipinto di un rabbino di Claire Vines

Acrilico “Tradizione”, 16″ x 24″

Il mio obiettivo è dipingere un aspetto di chi sono in ogni opera che creo, fungendo da manifestazione vivente dell’iconica citazione di Picasso, “Tutta l’arte è un autoritratto”. Sono parole che ispirano e guidano le mie espressioni artistiche fino ad oggi.

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Abstract painting of rocks by Paula Borsetti

Artista in primo piano Paula Borsetti | Squalo artistico


Goditi l’affascinante portfolio astratto dell’artista Paula Borsetti, che esprime speranza e gratitudine nel suo lavoro creativo. Vedi di più visitandola sito web.

Colorato dipinto astratto di Paula Borsetti

“In the Act of Living” acrilico su yupo, 43″ x 62″

Nella Mustang gialla di un amico, scappiamo al mare, lezioni di acquerello con suor Vincent de Paul, in completo abito sulle dune, una spintarella per iscriversi alla scuola d’arte, una lettera di raccomandazione, umiltà, umiltà e fiducia. Questo intervento divino è stato il trampolino di lancio sul mio percorso per diventare un artista.

Dipinto acrilico astratto di Paula Borsetti

Acrilico “Please Come Over”, 18″ x 18″

Lungo il mio percorso sono stata contabile, insegnante d’arte al liceo, mamma, figlia, sorella, moglie, amica, nana e perenne studentessa. Il tutto mantenendo la mia pratica in studio. Una vita meravigliosamente ricca.

Dipinto acrilico astratto di Paula Borsetti

“A volte in superficie non vediamo i tesori sottostanti” acrilico su tavola, 10″ x 30″

Il mio studio, un garage riconvertito, è a tre passi dalla mia porta sul retro. Nel giugno del 2020, dopo 26 anni di insegnamento a tempo pieno, ho cambiato marcia per immergermi nella mia pratica pittorica e non ho mai guardato indietro. Lavoro quotidianamente nel mio studio e continuo a imparare e condividere il mondo, il mio lavoro e me stesso.

Pittura stravagante di una torta di mirtilli

Acrilico “My Blueberry Pie”, 18 “x 18”

Gran parte del mio lavoro si ispira alla natura della costa del Massachusetts e della regione dei laghi del Maine. Lavorare dal paesaggio è una parte importante della mia pratica, dove mi sforzo di rappresentare l’essenza del momento e il familiare. Trovo tante idee camminando allegramente sulla spiaggia all’alba, documentando le mie visite con foto e poesie.

Pittura astratta di rocce di Paula Borsetti

“Fylleflod” acrilico su pannello, 24″ x 24″

Nel mio studio passo facilmente dall’astrazione al lavoro intuitivo. Sono libero di lasciare che il dipinto arrivi e giunga a una conclusione a suo tempo. Spesso inizio con una superficie che è stata preparata con un colore o un nero, che mi dà qualcosa a cui rispondere. Musica, movimento e materiali aprono la strada.

trittico di dipinti astratti del mare di Paula Borsetti

“L’ultima notte ho fatto un sogno al mare” (trittico) acrilico, 18″ x 56″

I quadri arrivano dall’esperienza quotidiana, parole, famiglia, amici, cose che mi tengono sveglia la notte e cose che mi illuminano di giorno.

L'artista Paola Borsetti

Artista Paula Borsetti nel suo studio

Amo lavorare in serie. Amici è una serie che esplora le profondità della convivenza con una malattia cronica e/o mortale. Nel 2014, al figlio di un caro amico è stata diagnosticata la SLA all’età di 26 anni. Ho una visione appassionata per esprimere la lotta contro la malattia creando anche un senso di speranza. Le opere utilizzano alcune delle parole, delle statistiche e della ricerca di Bobby come una pittura di base che consente alle immagini di emergere.

Dipinto astratto colorato con una casa e la natura di Paula Borsetti

“Bobby Loves Gumbo” acrilico su tavola, 18″ x 18″

Ho dipinto principalmente in acrilico su pannelli di betulla o lino o tela non stirata per ottenere i risultati che cerco. Lavorando il materiale, sono in grado di mescolare altri media, sovrapporre, carteggiare, grattare, disegnare, collage e andare avanti. Cazzuole e raschietti in silicone sono i miei pennelli preferiti. Spesso sto dipingendo, buttando dentro tutto e poi ridimensionando, coprendo, scavando. Creare una superficie ricca per riecheggiare la vita.

Pittura acrilica astratta colorata di Paula Borsetti

“Conversazioni tra amici” acrilico, 18″ x 18″

Mentre ballo la danza nel mio studio, sono grato per tutto ciò che sono in grado di fare. Per tutto il tempo che posso ricordare le mie mani hanno lavorato, facendo cose. Stratificare la vernice, mescolare i colori, disegnare, vedere come la pittura gioca con la luce, come i bordi e le trame creano profondità. Attraverso la creazione di segni mi circondo di espressioni di vita. Dipingere dall’interno verso l’esterno per creare qualcosa che non è mai esistito prima e che può risuonare con gli altri è davvero una benedizione.

Paula Borsetti vi invita a seguirla su Instagram.

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Digital illustration portrait of Jeff Goldblum

Artista in primo piano Mike Brennan | Squalo artistico


L’artista Mike Brennan presenta una deliziosa collezione di opere d’arte digitali piene di energia colorata. Scopri di più sul suo portfolio visitando il suo sito web.

Illustrazione digitale ritratto di Jeff Goldblum

Illustrazione digitale “Jeff Goldblum”, 16″ x 20″

Ho creato per tutto il tempo che posso ricordare. Quando ero ragazzo, creavo i miei biglietti di auguri con disegni di personaggi dei cartoni animati e li regalavo ai membri della famiglia. All’epoca non lo sapevo, ma mi sono innamorata dello scambio che avveniva quando creavo qualcosa e lo regalavo a qualcun altro per vedersi illuminare il volto!

"Billie Vacanze" illustrazione digitale

Illustrazione digitale “Billie Holiday”, 20″ x 20″

Quell’ethos è qualcosa che perseguo da allora in tutte le cose che creo. Gran parte della mia arte visiva e illustrazione è informata dalle mie esperienze e interessi e quindi cerco di usarli per formare connessioni con gli altri. La cultura pop, i viaggi e gli eventi dal vivo sono stati temi centrali nel mio lavoro.

Illustrazione digitale di Nashville di Mike Brennan

Illustrazione digitale “Nashville”, 16″ x 20″

Anche se ho frequentato la scuola d’arte per il graphic design e sono stato un professionista del design per molti anni, è stato solo quando si è verificata una crisi personale che ho trovato veramente la mia voce e il mio stile come artista.

Illustrazione digitale “Threepio Graffiti”, 16″ x 20″

C’è stata un’assenza artistica di dieci anni che ha inaugurato una stagione di depressione, che alla fine è stata il catalizzatore per riportarmi alla mia arte. Ho intrapreso un viaggio artistico quotidiano di 365 giorni che è durato fino ad oggi, più di dieci anni dopo.

"Batu" illustrazione digitale di Mike Brennan

Illustrazione digitale “Batuu”, 16″ x 20″

Ho riconosciuto che questo viaggio non era solo per me, ma per altri creativi che potrebbero avere sfide simili. Dopo aver identificato i passaggi e i principi chiave, ho sviluppato un framework in cui aiuto i creatori a presentarsi in modo coerente nella loro ricerca di creatività e innovazione, attraverso un Abitudine creativa quotidiana.

illustrazione della donna che fa yoga con i piedi colorati

Illustrazione digitale “Color Feet”, 8″ x 10″

Inoltre illustro e disegno per una varietà di progetti come libri, branding/loghi e storytelling attraverso il mio Schizzi di eventi dal vivo per convegni e riunioni. I progetti di passione personale alimentano anche la mia creatività mentre viaggio e continuo a trovare ispirazione nella cultura pop e nel mio ambiente.

Ritratto di Peter Dinklage

Illustrazione digitale “Peter Dinklage”, 16″ x 20″

La mia arte della cultura pop è stata messa in luce su Talking Dead di AMC e pubblicata su Syfy.com. La mia arte yoga è apparsa nella mostra “The Art of Healthy Living” all’IDEA Museum, Mesa, Arizona. Sono stato un illustratore in primo piano per meowbox, presentato in Capsules Pictoria Volume 3, The Best Contemporary Illustrators Worldwide, e a lungo elencato con The Association of Illustrators World Illustration Awards 2020. Ho avuto arte rappresentata dalla galleria Galleria Misto, sono un membro di Illustrators For Hire, e hanno presentato opere d’arte nella Ronald McDonald House Charities dell’Illinois centrale.

Ritratto digitale di Pee Wee Herman

Illustrazione digitale “Pee Wee”, 10″ x 10″

Ascolta le mie conversazioni con altri creator mentre parliamo del loro viaggio, della loro storia e del loro processo creativo, nei miei podcast settimanali per Chat creative!

Mike Brennan ti invita a seguirlo Instagram, Facebook e Cinguettioe da visitare Abitudine creativa quotidiana, Chat creative e Schizzi di eventi.

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Hidden Valley landscape by Susan Brown

Artista in primo piano Susan Brown | Squalo artistico


La pittrice californiana Susan Brown presenta una collezione di paesaggi colorati che condividono un senso unico del luogo. Scopri di più sul suo lavoro visitandola sito web.

Dipinto di un paesaggio a Salinas, in California

Acrilico “Salinas”, 14″ x 11″

Per creare in una qualsiasi delle arti ci vuole coraggio. – Georgia O’Keeffe

Per me dipingere non è un hobby, non è facile e di solito non è divertente (anche se a volte può esserlo). Avvicinarsi a una tela bianca è come iniziare un viaggio sconosciuto. Presenta insidie, sfide e sorprese inaspettate. Alcuni di loro sono sorprese felici e altri no. Chiamo il processo verniciatura.

Dipinto di due uomini fuori da una taqueria

“Covid Hope Taqueria” acrilico, 32″ x 28″

A causa della geometria architettonica, della prospettiva aerea e dell’inclusione di ritratti e figure, my Strade e Il mondo di oggi serie sono particolarmente complesse e impegnative.

Paesaggio con un piccolo mercato

“Arro’s Market” acrilico, 11′ x 14″

Come molti artisti sanno, puoi confondere paesaggi e nature morte, ma se dipingi esseri umani, soprattutto in modo del tutto realistico, puoi individuare immediatamente le imprecisioni. Ecco perché ho studiato nove ore alla settimana durante il 2020. Continuo a studiare figure e ritratti in modo che possano essere incorporati nei miei dipinti.

Dipinto di una strada a San Francisco di Susan Brown

“San Francisco 1″ acrilico, 20″ x 16”

Una cosa che mi piace è entrare nella zona. È qui che sono così totalmente assorbito dal mio lavoro che non sento e non vedo nient’altro, come se su di me ci fosse un sudario che esclude il resto del mondo. Parlo persino con i miei quadri, a volte imprecando contro di loro se le cose non vanno bene, e ringraziandoli quando lo sono!

Paesaggio della valle nascosta di Susan Brown

Olio “Hidden Valley I”, 14 “x 11”

Tuttavia, trovo che le distrazioni quotidiane spesso rendano difficile avere questa situazione concentrata. Ecco perché ho fatto domanda e sono stato accettato in una residenza d’artista in Francia per un mese.

L'artista Susan Brown con opere d'arte in una mostra in Francia.

L’artista Susan Brown con opere d’arte in una mostra in Francia.

Mentre ero lì, ho dipinto un dipinto di grandi dimensioni (32 “x 28”) in circa due settimane, incluso uno sfondo di paesaggio con un ritratto in primo piano. Questo è stato un record per me. Sono rimasto sorpreso di essere riuscito a finire un dipinto così grande e dettagliato in così poco tempo! Mi ha dato fiducia sapendo di avere la tecnica e le conoscenze per farlo. Il dipinto è stato poi accettato in una mostra internazionale.

Dipinto di un incrocio a Santa Cruz, in California

Acrilico “Downtown Santa Cruz”, 24″ x 22″

Ora applico questa concentrazione mentre dipingo nel mio studio. Molti dei miei dipinti sono locali, incluso Viale Van Ness, Santa Cruz, che è la strada in cui vivo. È stato uno dei miei primi dipinti di location. Centro di Santa Cruz è la mia versione color caramella del centro della mia città, dove convergono cinque strade. (La geometria delle strisce pedonali è stata particolarmente difficile da ottenere!)

Dipinto di un incrocio a Davenport, in California, di Susan Brown

Acrilico “Davenport Evening”, 36″ x 32″

I dipinti di Davenport rappresentano una città a circa dieci miglia da Santa Cruz. È un posto in cui vado spesso, per mangiare nei ristoranti iconici (il RoadHouse e il Whale City Bakery) e scendere dalle scogliere fino a un sentiero sull’oceano. Mi piace l’atmosfera di una piccola città.

Dipinto del ristorante Roadhouse in California

Acrilico “Roadhouse Evening”, 20″ x 16″

Mio Valle Nascosta i dipinti di paesaggi sono di una bella valle che si vede solo molto brevemente mentre si guida sulla California Highway 1 tra Half Moon Bay e Santa Cruz.

Dipinto di Hidden Valley in California

Acrilico “Hidden Valley II”, 14″ x 11″

Intendo i miei dipinti per porre domande allo spettatore, che potrebbe capire dove portano le strade. Hanno lo scopo di evocare un senso di riconoscimento o deja vu, indipendentemente dal fatto che tu sia stato o meno in questi luoghi. E voglio creare un senso di comunità riguardo a come affrontiamo tutti situazioni difficili, come Covid e immigrazione, in Il mondo di oggi.

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Art gallery patrons Miami

Stai cercando un agente artistico?


di Carolyn Edlund

Cosa sapere sulla rappresentazione di artisti, agenti e gallerie.

La galleria d'arte patrocina Miami

I visitatori vedono l’arte in una galleria a Miami

Se stai cercando una rappresentanza per vendere la tua arte, tieni a mente alcune cose prima di iniziare. Sebbene ci siano molti mercanti d’arte e gallerie onesti con cui lavorare, ci sono anche persone che approfittano degli artisti. Nessuno ha bisogno di credenziali specifiche o di una licenza per rappresentare gli artisti. Con questa soglia bassa, entrano in azienda alcune persone che hanno davvero poco da offrire. Possono addebitare commissioni esorbitanti, giocando sul desiderio di un artista di vedere e vendere il proprio lavoro.

Chi sono gli agenti artisti?

A volte gli artisti credono di poter assumere un agente per ottenere presentazioni a gallerie o rivenditori. Ci sono agenti artisti ai massimi livelli del settore; queste persone rappresentano artisti che sono comprovati affaristi con una lunga storia di vendite. Affinché qualsiasi agente possa rischiare di assumere un nuovo cliente, deve sapere che può guadagnare quasi immediatamente.

Se non rientri in quella categoria, cosa puoi fare come singolo artista? Se stai cercando una rappresentanza, potresti avvicinarsi direttamente a una galleria. La verità è che gli stessi galleristi e mercanti d’arte sono tecnicamente degli agenti, in quanto vendono per conto dell’artista.

Fai attenzione se vieni avvicinato da qualcuno che dice di poter trovare una rappresentazione in galleria per te. Un’artista ha riferito di aver ricevuto un contratto da un cosiddetto “agente” che l’avrebbe promossa nelle gallerie d’arte. Il contratto stabiliva che l’agente avrebbe ricevuto una commissione del 20% su tutte le opere d’arte vendute attraverso ciascuna galleria, per sempre. Esatto, in modo permanente. Con una commissione della galleria del 50% più una commissione dell’agente del 20%, l’artista avrebbe ricevuto solo 30 centesimi di dollaro per il suo lavoro. Non è un buon affare, vero?

Un altro percorso è la vendita diretta ai collezionisti. Puoi assumere manager, pubblicisti, assistenti di social media o un numero qualsiasi di altre persone per aiutare con il marketing e la pubblicità. Ma queste persone non lavorano su commissione e dovrebbe esserci una chiara comprensione dei loro compiti in anticipo. Tu come artista dovresti prendere l’iniziativa come capo della tua attività.

Gallerie di vanità

Potresti aver ricevuto un’offerta per la rappresentanza in galleria di punto in bianco e ti sei chiesto se fosse legittimo. Le gallerie di vanità depredano gli artisti invitandoli a essere rappresentati o addirittura a tenere mostre personali. L’unico intoppo è che costerà molto all’artista, spesso per migliaia di dollari. La galleria sarà lieta di stampare un catalogo anche per l’artista, sempre a pagamento. E promuoveranno e pubblicizzeranno, per ancora più soldi. Queste gallerie guadagnano i loro soldi principalmente dagli artisti, non dalle vendite di opere d’arte. Approfittano della disperazione che provano alcuni artisti, che vogliono essere convalidati attraverso la rappresentazione in galleria, o la speranza che il loro lavoro attiri molti collezionisti.

Un chiaro segno di una vanity gallery è che si rivolgono direttamente agli artisti che offrono questi servizi. Spesso non sono particolarmente attenti all’arte in sé, perché è l’artista che pagherà. Possono rivolgersi ad artisti che chiaramente non sono pronti a esporre il loro lavoro in una galleria o che non hanno un corpus di opere abbastanza ampio. Niente di tutto ciò ha importanza per loro. Le gallerie di vanità hanno pochi incentivi a vendere effettivamente opere d’arte, poiché la stragrande maggioranza delle loro entrate è curata dagli artisti che acquistano in questa pratica.

Chi sono queste gallerie? Puoi trovare gli elenchi tramite la ricerca online o il passaparola di altri artisti. Alcune gallerie sono famose per questa pratica. Quindi, stai alla larga e non cadere in questa trappola. Uno spettacolo di vanity gallery sul CV di un artista può effettivamente essere negativo per la sua carriera.

Fortunatamente, la maggior parte delle gallerie e dei rivenditori sono onesti. Un contratto scritto indicherà i termini del tuo accordo con loro, che dovresti rivedere attentamente prima di accettare. Scopri di più su come lavorare con le gallerie qui.

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Display at an outdoor art fair

Perché la coerenza dei prezzi è importante | Squalo artistico


di Carolyn Edlund

I prezzi delle tue opere d’arte rimangono costanti sia che tu venda direttamente ai collezionisti, online o tramite terzi? Ecco perché la coerenza è importante.

Mostra in una fiera d'arte all'aperto

Quando hai fissato i prezzi per la tua opera d’arte secondo una formula che ti paga un salario equo per il tuo lavoro e include il profitto, puoi far crescere la tua attività. È importante sapere che i tuoi prezzi sono competitivi sul mercato, ma ti consentono anche di guadagnare quanto vali. Se i prezzi sono arbitrari, senza tener conto dei tuoi costi o del valore percepito del tuo lavoro, potresti imbrogliare te stesso. Oppure potresti inavvertitamente sovraccaricare e perdere potenziali vendite.

Sapere come prezzare correttamente all’inizio ti aiuterà a:

  • Includi un margine di profitto su tutto ciò che guadagni
  • Calcola il tuo prezzo addebitando per pollice quadrato (o pollice lineare) per prodotti simili, in modo sistematico che abbia senso per i clienti
  • Sii competitivo nel mercato che hai scelto
  • Diffondi i tuoi punti di prezzo per una collezione che offre qualcosa per i tuoi clienti, indipendentemente dal loro budget
  • Mantieni i tuoi prezzi stabili e aumentali quando appropriato

A volte gli artisti non se ne rendono conto il prezzo è il prezzo è il prezzo indipendentemente da dove l’arte viene venduta. Possono vacillare sui prezzi a seconda delle circostanze. Ciò accade anche quando gli artisti non hanno chiarezza sulle basi dei prezzi.

Un artista ha dichiarato: “Non lavoro più con le gallerie, quindi sto dimezzando i miei prezzi poiché non devo pagare la loro commissione”. Quello che ha dimenticato è che quando vende direttamente, spende tempo, denaro e fatica, proprio come farebbe una galleria. Se vendesse il suo lavoro a metà prezzo, svolgerebbe tutte quelle attività di marketing e vendita senza pagamento per il suo lavoro o compenso per le sue spese.

Sapere come valutare e rimanere coerenti con loro, ti mette in controllo come artista. Sai quanto addebitare e perché. E, anche se scegli di avere una vendita temporanea sul tuo lavoro o di offrire a sconto per un collezionista, sei consapevole che non stai perdendo soldi. I tuoi normali prezzi al dettaglio rimangono invariati.

Cosa può succedere quando gli artisti non sono coerenti con i prezzi?

  • Quando i prezzi oscillano senza una chiara ragione, i tuoi attuali collezionisti potrebbero pensare di aver fatto un cattivo affare. Se hanno pagato di più e i tuoi prezzi attuali sono più bassi, il tuo lavoro sembra essere diminuito di valore. Ciò scoraggia le vendite ripetute e crea diffidenza.
  • La concorrenza sleale sottoquotando i prezzi dei tuoi clienti all’ingrosso o delle gallerie è un grosso problema. Può dare ai propri clienti l’impressione di avere un margine eccessivo o di sovraccaricare quando in realtà non lo sono. È una ricetta per rovinare il tuo rapporto con quei venditori, soprattutto se vendi online o in occasione di eventi nella loro zona.
  • I prezzi instabili danno l’impressione che l’artista non sia un professionista. I clienti potrebbero credere che tu non abbia una buona padronanza di come valutare il tuo lavoro o che tu non capisca quanto vale sul mercato.
  • Ogni volta che stabilisci arbitrariamente i prezzi, rischi di sottovalutare il tuo lavoro e di non essere redditizio. Perdere denaro sulle vendite della tua arte fa fallire tutta la tua attività.

Quando la tua arte ha un prezzo corretto e il tuo lavoro sta vendendo, la tua attività è in equilibrio. Guadagnerai e realizzerai un profitto. Abbi fiducia nei tuoi prezzi e sii in grado di difenderli se richiesto. Quindi, mantieni la coerenza con i prezzi nelle sedi di vendita e nelle piattaforme. Questo tipo di trasparenza servirà a te come artista, ai tuoi collezionisti e a qualsiasi terza parte che vende anche la tua arte.

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Art Gallery

Costruisci forti relazioni con la galleria | Squalo artistico


di Carolyn Edlund

I tuoi rapporti commerciali con le gallerie d’arte dovrebbero essere fiduciosi, positivi e redditizi.

Galleria d'arte

Le gallerie sono in affari per vendere arte. Tu come artista hai molto a tua disposizione che può aiutare le tue gallerie a farlo. Quando tu agire come un buon partner, non solo aiuterai la galleria con le vendite; creerai fiducia e diventerai un elemento importante del loro successo.

Lo staff della galleria ha bisogno della tua assistenza per massimizzare le vendite, perché sai di più sulla tua opera di chiunque altro. Condividi le informazioni e le garanzie che hai per questo scopo, come ad esempio:

La tua storia d’artista

Cosa rende speciale il tuo lavoro? In che modo risuona emotivamente con gli acquirenti? Cosa c’è di insolito o complesso nella tua tecnica? Hai un concetto o un messaggio particolare dietro il tuo lavoro? Crea un documento da condividere con la galleria che include il tuo Dichiarazione dell’artista e altre informazioni vitali per aiutarli a creare interesse per il tuo lavoro e concludere la vendita. Un elenco di punti vendita o caratteristiche e vantaggi può fornire validi motivi per cui i loro sostenitori dovrebbero acquistare la tua arte.

Esposizione e cura

Hai suggerimenti su come presentare la tua arte al meglio? I tuoi quadri possono essere appesi in modi diversi? La tua scultura sta meglio su una base illuminata? Fornisci istruzioni complete e opzioni in modo che possano ottenere il massimo dalla presentazione. E includi informazioni sulla cura della tua arte o installazione che possono essere trasmesse ai collezionisti.

Garanzie visive

Una delle tue più grandi risorse di marketing è una serie di foto eccellenti del tuo lavoro. Questi possono essere utilizzati dalla galleria in pubblicità, interviste alla stampa, per la stampa di cartoline o per il blog della galleria. Immagina di fornire incredibili fotografie della tua arte in file sia a bassa che ad alta risoluzione per il loro uso. Il tuo lavoro potrebbe diventare l’immagine che usano per promuovere un’apertura, una vendita o un evento nella loro galleria!

Segnaletica e fotografie possono essere utilizzate in una visualizzazione del tuo lavoro. Questa potrebbe essere una tua foto mentre lavori in studio o un’opera d’arte in corso per aiutare gli spettatori a capire come viene realizzato il tuo lavoro. Quando mostri chiaramente tecniche complesse, difficili o insolite o mostri materiali speciali o rari, può aiutare ad aumentare il valore percepito di un’opera d’arte

Aspetto personale

Un altro modo per assistere le tue gallerie è essere disponibile per un’apertura, un evento o un colloquio con un artista nella loro galleria. Una galleria sponsorizzava regolarmente il sabato mattina eventi “Coffee with the Artist” in cui gli artisti parlavano del loro background e della loro ispirazione, si impegnavano in conversazioni con i visitatori della galleria e attiravano sempre una folla.

Supporto online

Quando le tue gallerie annunciano i prossimi spettacoli, ti impegni a condividere queste notizie attraverso i social media e sul tuo sito web? Più li aiuterai, più reciprocità vedrai.

Il tuo sito web dell’artista elenca le tue gallerie? Mostra il nome, l’indirizzo e il numero di telefono della galleria e includi un collegamento live. Quel link dovrebbe portare alla pagina del loro sito web che mostra il tuo lavoro.

Sensibilizzazione della stampa

Citare le tue gallerie in un’intervista è sempre una buona idea, dal momento che sono un posto dove vedere le tue opere d’arte. Ma cosa succederebbe se andassi oltre e contattassi la stampa locale nella città della tua galleria per loro conto? Invia un comunicato stampa annunciando che il tuo lavoro sarà esposto nel loro spazio. Includi informazioni essenziali per i visitatori e aggiungi una tua citazione.

Quindi, condividi annunci e notizie sulle tue gallerie in e-mail che vanno alla tua lista di iscritti, invitandoli a partecipare alla tua prossima apertura o apparizione. Scrivi un post sul blog sulla tua galleria con notizie ed eventi futuri. Segui le tue gallerie sui social media, quindi commenta e condividi i loro post con il tuo pubblico. E fai sapere alla galleria cosa hai fatto per loro conto. Chiedi loro altri modi in cui puoi essere un buon partner per loro promuovendo e commercializzando insieme.

Le partnership vanno in entrambe le direzioni

Cosa possono fare le gallerie per gli artisti che agiscono da buoni partner? Possono presentare il lavoro dell’artista in una finestra o promuoverlo attraverso un poster, una pubblicità stampata o online o in un direct mailing o un’e-mail. Potrebbero invitarti a fare un’apparizione o fare un discorso. Oppure potrebbero impegnarsi ad aumentare la tua visibilità dando alla tua arte uno spazio aggiuntivo nella galleria, soprattutto se sei stato responsabile di aiutare ad attirare traffico e acquirenti.

Nel tempo, anche artisti e galleristi possono sviluppare relazioni e amicizie molto forti. Lavorare insieme verso un obiettivo comune e trovare modi per aiutare l’altra parte ad avere successo è un business intelligente.

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illustration of a cat in a window

Il mercato dell’arte digitale | Squalo artistico |


Un esperto del mercato dell’arte digitale discute le opzioni, le sfide e il futuro delle vendite.

Carly Rettore

Carly headshot: Carly Rector, fondatore e capo architetto di CO2ign Art

Carly Rettore, fondatore di CO2ign artingegnere del software e mecenate di lunga data dell’arte digitale, ha parlato con noi dello stato del mercato per gli artisti che lavorano con i media digitali e dell’evoluzione di questo canale di vendita.

AS: Come definiresti l’arte digitale?

CR: L’arte digitale è qualsiasi arte creata con un computer piuttosto che con i tradizionali supporti fisici. Ciò copre una gamma molto ampia, dal disegno e pittura digitale in cui stai replicando inchiostro e pittura utilizzando una tavoletta e uno stilo, a mezzi esclusivamente digitali come la modellazione 3D e l’animazione, fino all’arte generata interamente da un algoritmo o intelligenza artificiale.

Ultimamente c’è stata molta attenzione su NFT e AI art. Ma penso sia importante ricordare che l’arte digitale esiste da quasi quanto i computer. Il più delle volte c’è un essere umano che lavora in gran parte allo stesso modo in cui gli artisti fanno con i pezzi tradizionali. Stanno ancora creando l’arte; hanno solo il vantaggio di livelli, filtri e un pulsante Annulla. Non c’è meno creatività lì, è semplicemente un mezzo diverso.

Sito web di CO2ign

Schermata del sito Web: home page di CO2ign Art,. Grafica per gentile concessione di trash_panda_chils

AS: Quali canali ci sono per vendere arte digitale?

CR: Dipende da cosa intendi per “vendere arte digitale”. Arte digitale è fondamentalmente diverso dall’arte fisica. Non c’è un unico pezzo unico creato che l’artista possa trasferire a qualcun altro. Quando dai a qualcuno un file digitale, hai ancora il file. Entrambi potete continuare a condividerlo con tutte le persone che volete. A livello tecnico, su internet non c’è distinzione tra vedendo un’immagine e avendo l’immagine. Quindi, devi ridefinire cosa esattamente stai vendendo. Ci sono una serie di opzioni.

Puoi vendere accesso all’art – gli acquirenti pagano per vedere l’arte o per accedere a una versione completa o di qualità superiore. Le persone potrebbero acquistare un fumetto o un download ad alta risoluzione. Etsy e Gumroad sono modi comuni per gli artisti indipendenti di farlo.

Puoi vendere copie fisiche dell’art – stampandolo tu stesso o tramite i mercati di stampa su richiesta. Questo può includere mettere la tua arte su merce come custodie per telefoni e magliette. Stazione artistica vende stampe, per esempio, e Bolla rossa è popolare sul lato del merchandising.

Puoi vendere il creazione di nuova artelavoro commissionato in base alle specifiche del cliente. Questo può essere fatto tramite mercati freelance come Fiverr. Le commissioni vengono spesso offerte anche sui social media dove gli artisti hanno già dei seguaci.

Puoi vendere NFT d’arte, che sono token blockchain che funzionano come un “atto” per l’art. Le NFT rappresentano la proprietà in modo decentralizzato piuttosto che fare affidamento su un’unica autorità. Mare aperto è il più grande mercato NFT.

Finalmente, c’è una nuova opzione sulla mia piattaforma, CO2ign art. Puoi vendere copie digitali dell’art che aiutano a combattere il cambiamento climatico. Ogni copia ha una firma digitale verificabile nei metadati del file. L’immagine è ancora copiabile, ma la firma è una “prova d’acquisto” che identifica un singolo acquirente e uno specifico CO2 progetto di riduzione finanziato dal loro acquisto.

In tutte queste opzioni, l’acquisto può conferire o meno anche i diritti legali di utilizzo dell’art. Dipende dalle condizioni di vendita.

AS: Che ne dici di altre opzioni per fare soldi con l’arte digitale?

CR: Puoi anche ottenere entrate da patrocinio o donazione. Gli artisti usano spesso piattaforme come Patreon o Ko-fi dove le persone si iscrivono a un abbonamento mensile per supportare la tua arte. Questo tipo di sistema richiama il vecchio “patrono delle arti” in cui le persone facoltose finanzievano gli artisti per fare il loro lavoro senza necessariamente trarne direttamente qualcosa.

In pratica, gli artisti digitali spesso offrono uno o più dei precedenti nei loro livelli Patreon, e anche “bonus” come l’interazione con l’artista, una comunità che moderano, contenuti “dietro le quinte” e così via.

Come funziona CO2ign Art

Come funziona CO2ign Art: come funziona: il processo di CO2ign Art per pubblicare e vendere opere d’arte

AS: Quali sono alcune delle barriere che gli artisti digitali devono affrontare quando vendono il loro lavoro?

CR: Vendere l’accesso all’arte è difficile perché è così facile accedere ai contenuti online. È uno sfortunato conflitto. Il grande vantaggio di Internet e dell’arte digitale è che è facile raggiungere un vasto pubblico. In generale, gli artisti si divertono quando molte persone vedono e apprezzano il loro lavoro. Anche gli artisti (ragionevolmente) vogliono che il loro lavoro sia adeguatamente accreditato e pagato per questo. Tuttavia, se la tua arte è dietro un paywall, devi convincere le persone che vale la pena pagare per vederla. Ciò attirerà un pubblico molto più ristretto e devi controllare continuamente il web per assicurarti che nessuno lo renda disponibile gratuitamente. È una corsa agli armamenti di filigrane, script per cercare di interrompere il salvataggio del clic con il pulsante destro del mouse e così via. Sarà sempre una battaglia in salita che cerca di forzare la scarsità su un mezzo che fondamentalmente non funziona in quel modo.

Alcune delle altre opzioni ti consentono di condividere il lavoro liberamente, ma hanno problemi che possono rendere difficile fare soldi veri. Le stampe e il merchandising fisico sono popolari, ma vendono a prezzi bassi poiché si sentono come merci intercambiabili. Hanno margini ancora più bassi per gli artisti dopo i costi di produzione e spedizione. Le commissioni richiedono molto tempo e coordinamento con il cliente e sono difficili da eseguire ad alto volume. Patreon richiede fan molto impegnati e spesso molto lavoro “bonus”.

La visione ideale sia degli NFT che della mia piattaforma, CO2ign Art, è vendere la tua arte in modo veramente digitale senza doverne limitare l’accesso. Ciò richiede concentrarsi su un diverso tipo di valore. Questo non è inaudito. Ad esempio, nel mondo fisico le stampe firmate sono valutate più di quelle prodotte in serie perché le persone apprezzano la quantità limitata e il tocco personale dell’artista. Nel caso degli NFT, il valore è il token unico che rappresenta la tua proprietà sulla blockchain e il consenso collettivo dietro la sua autenticità. Nel caso di CO2ign Art, il valore è sostenere l’artista e combattere il cambiamento climatico. Questo è verificabile tramite firme digitali.

AS: In questo momento, gli artisti che elencano le NFT possono aspettarsi di vendere il loro lavoro? Chi vende?

CR: In particolare, le NFT artistiche sono state la categoria delle NFT più resiliente di fronte all’attuale crollo delle criptovalute, il che dimostra che hanno un valore duraturo. Alcuni artisti hanno avuto molto successo nella vendita di NFT. Ci sono persone che credono profondamente in loro come la via del futuro.

Tuttavia, non credo che gli artisti dovrebbero aspettarsi di coniare un NFT e vederlo vendere. Statisticamente, la maggior parte degli NFT non vendee molti altri vendono solo una volta. Lo spazio NFT è molto guidato dal clamore della comunità e dall’aspettativa di ritorni futuri. I progetti NFT che vendono di più sono quelli in cui l’artista ha già un pubblico devoto, o in cui sono in grado di formare una comunità convinti di essere la prossima grande novità. Le collezioni con poche migliaia di varianti sullo stesso tema di base tendono anche a vendere più dei pezzi unici, perché è molto più facile costruire una comunità attorno a questi, e quindi avere un mercato secondario.

Personalmente, penso che gli NFT si stabiliranno per essere più utilizzati dove sono più utili, che è per il tipo di arte in cui l’autenticità e la provenienza sono molto importanti. Si tratterebbe di pezzi di alto profilo o oggetti da collezione che vengono scambiati frequentemente. La maggior parte dell’arte non rientra in quella categoria nemmeno nel mondo dell’arte tradizionale, ed è raro che un pezzo venga venduto più di una volta. Ciò non significa che l’altra arte non abbia valore; chiaramente la gente compra arte anche quando non è un Picasso autentico o una trading card. Semplicemente non è lo stesso tipo di valore.

illustrazione di un gatto in una finestra

Illustrazione di Rita Vigovszky: “Connection” di Rita Vigovszky (disponibile su CO2ign Art)

AS: Con il furto e la violazione un problema comune, le cose sono difficili per gli artisti digitali. Quali sono le prospettive per il futuro?

CR: Siamo davvero a un punto di svolta per l’arte digitale in molti modi. L’arte si muove sempre più online. Le persone che sono cresciute facendo arte sul proprio iPad ora sono degli adulti che creano opere straordinarie. C’è un accesso senza precedenti a riferimenti e tutorial online e ogni giorno escono nuovi strumenti che consentono agli artisti di fare cose che prima sarebbero state ardue o impossibili. Un singolo artista con un budget modesto ora può realizzare animazioni impressionanti o truccare un modello 3D per rispecchiare le proprie espressioni facciali. Le persone possono dipingere in live streaming e farsi guardare da migliaia di persone. Ci sono mezzi completamente nuovi che stanno nascendo.

Allo stesso tempo, ci sono sicuramente lotte. La facilità di accesso all’arte online ha portato a molti furti e violazioni del copyright e molte polemiche su ciò che conta come furto e violazione del copyright. Le persone che realizzano questa straordinaria arte spesso non ci guadagnano e si vedono rubare il loro lavoro creativo.

Tuttavia, c’è anche una quantità crescente di attenzione su queste cose e quindi molte persone cercano di affrontarle. Ci sono nuovi modi per valorizzare il lavoro svolto dagli artisti, come Patreon, NFT o CO2ign Art. Ci sono modi per identificare la violazione o tenere traccia di chi ha creato qualcosa, ad esempio DeviantArt Protect o il Iniziativa sull’autenticità dei contenuti.

Sono sicuro che questi sforzi continueranno. In definitiva, gli artisti digitali sono artisti. Ci sono abbastanza persone che credono nel valore del lavoro creativo che gli artisti fanno che le opportunità continueranno a migliorare per gli artisti digitali in futuro.

Segui CO2ign Art su Twitter e Instagram.

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Highly decorative painting of a leopard wearing a crown

Artista in primo piano Marius Zabinski | Squalo artistico


L’artista contemporaneo Marius Zabinski presenta una collezione di dipinti dinamici con elementi altamente decorativi. Guarda di più del suo lavoro visitando il suo sito web.

Dipinto altamente decorativo di un leopardo che indossa una corona

“Born to be Wild” olio su tela, 100 x 100 cm

Sono un artista belga di origine polacca, nato nel 1956. Attualmente ho uno studio a Bruxelles dove lavoro ogni giorno per creare arte contemporanea usando il mio approccio distintivo e unico.

Pittura del cranio altamente decorativa

“Forever Young” acrilico su tela, 100 x 100 cm

Dopo essermi diplomato all’Accademia di Belle Arti di Varsavia, in Polonia, nel 1981, ho dipinto in stile cubista per molti anni. Nel tempo, ho trasformato il mio stile nel mio look personale. Uso tecniche classiche e altri metodi sviluppati durante i molti anni della mia pratica artistica.

Pittura figurativa ispirata a Klimt di Marius Zabinski

“Lola nell’universo di Gustav” olio su tela, 100 x 100 cm

Come ogni specialista professionista, ho i miei segreti tecnici che non condivido. La mia pittura oggi è molto caratteristica e facilmente riconoscibile nel mondo dell’arte. Ma cerco sempre di sviluppare nuove tecniche e ora sto lavorando per una maggiore astrazione nel mio portfolio.

Paesaggio urbano contemporaneo Gotham City

“Gotham City” acrilico su tela, 120 x 100 cm

La mia pittura è eclettica e caratterizzata da un senso di luce vibrante. Soprattutto, utilizzo una trama molto ricca e diversificata nel mio lavoro. La più grande ispirazione per me è il mondo che ci circonda, visibile e tangibile così come l’invisibile. Sono affascinato dall’energia e dal suo potere e lo trasmetto attraverso le mie tele.

Pittura astratta della farfalla strutturata

Insieme=Più forte, olio su tela, 100 x 100 cm

Attualmente sto lavorando su dipinti ad olio e sto cercando di raccogliere collezioni per una prossima mostra. Ho avuto la fortuna che i miei dipinti trovino acquirenti molto rapidamente.

Giardino dell'Eden

“Giardino dell’Eden” acrilico su tela, 100 x 100 cm

Durante la mia lunga carriera ho partecipato a mostre d’arte personali e collettive in tutto il mondo, tra cui New York, Monaco, Parigi, Danimarca, Lussemburgo, Hong Kong e Singapore. Il mio lavoro è rappresentato in Belgio da The Art Center Horus Gallery.

dipinto decorativo cavalluccio marino di Marius Zabinski

“Evoluzione” olio su tela, 81 x 100 cm

È stato un onore agire come ambasciatore ufficiale della Canson Company, che produce la migliore carta al mondo per artisti e fotografi. La mia opera d’arte appare sulla loro confezione. Canson pubblicizza i suoi prodotti nei mercati di tutto il mondo e i miei dipinti vengono riprodotti sulla loro carta durante le fiere. È stato un privilegio speciale lavorare con uno sponsor di così alto profilo.

pittura gialla e rosa strutturata astratta

“Sogno rosa” olio su tela, 100 x 100 cm

Nella mia vita personale, uno dei miei grandi amori è la subacquea. Non vedo l’ora di un prossimo viaggio in cui mi immergerò con le balene. Per me immergersi è come visitare un altro pianeta. Sono sempre felice sott’acqua.

Marius Zabinski ti invita a seguirlo Instagram e Youtube.

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